NOTICIAS MARTES 07 DE JUNIO DEL 2011

"'Apocalypse Now' definitivo"

Por: Álvaro P. Ruiz de Elvira

El rodaje de Apocalypse Now en Filipinas fue un infierno. Algo explicado perfectamente en unos cuantos libros, documentales y artículos muy recomendables, como el diario de rodaje que hizo la mujer de Coppola, Eleanor, Con el corazón en tinieblas (Emece) o el relato al detalle de Peter Cowie en The Apocalypse Now Book. Lecturas imprescindibles para conocer cómo la vida de Coppola se fue a pique durante dos años o detalles del rodaje como que Steve McQueen rechazó el papel del Capitán Willard o que a dos semanas de comenzar el rodaje, Francis Ford Coppola reemplazó a Harvey Keitel, que ya había rodado algunas escenas, por Martin Sheen.

Ahora sale en Blu-Ray (8 de junio en España) la que se podría denominar como edición definitiva de la película, con tres discos que incluyen tanto la edición original como la Redux que Coppola sacó hace una década, aparte de numerosos extras y el documental Corazones de la oscuridad: el apocalipsis de un cineasta. Entre los extras hay dos conversaciones jugosas, una de Coppola con Martin Sheen y otra del cineasta con el cineasta John Millius, autor del guión. También habrá una edición más modesta con dos discos.

En Versión Muy Original adelantamos en primita la primera conversación, en la que director y actor hablan sobre las dificultades del rodaje de las últimas escena de la película en el río…

(Ver video en URL del artículo: http://blogs.elpais.com/version-muy-original/2011/06/apocalypse-now-definitivo.html)

Fuente: ElPaís

"El cine preserva lo que se llevó el tsunami"

El director japonés Kobayashi estrena su cinta en Granada

FERNANDO VALVERDE - Granada

El pasado 11 de marzo una inmensa ola arrasó la costa oriental de Japón cambiando para siempre las líneas del futuro, el destino de un país que tal vez pueda superar la catástrofe, pero difícilmente olvidarla. "También cambió su pasado", reconoce el cineasta Masahiro Kobayashi (Tokio, Japón, 1954), que el pasado domingo presentó en la quinta edición del Festival Cines del Sur su último trabajo, Haru tono tabi (Haru'sJourney).

Kobayashi terminó pocos meses antes del tsunami, que se ha convertido para él en una referencia temporal ineludible, las escenas finales de su película. Lo hizo en Kesen-Numa, una ciudad hoy casi convertida en lodo y escombros, un lugar "lleno de vida" que ahora es un desierto al que los supervivientes quieren regresar, aunque el gobierno japonés no lo permita por el momento.

A comienzos de 2010, Masahiro Kobayashi se propuso rodar una película que hablara sobre la vejez, sobre la forma en la que mueren muchos ancianos en Japón, abandonados y solos, como si la modernidad los hubiera sentenciado al olvido. "En Japón los ancianos están muy desprotegidos. Muchos de ellos mueren solos. Incluso se descubren sus cuerpos meses después. Además, hay muchos suicidios. No existe una seguridad social que los proteja", explica. Ese es o era el eje central de su película. Su protagonista,Tadao, un pescador de Kesen-Numa, se ve obligado a dejar de trabajar. Entonces comienza a depender económicamente de su hija y después de su nieta, Haru. Ya al final de su vida, el cierre de la escuela de primaria en la que trabaja la nieta como profesora fuerza una situación desesperada. Ella quiere marcharse a Tokio y él se da cuenta de que es un estorbo. "He querido realizar una versión moderna de un tema muy tradicional en Japón, como es la separación de los jóvenes y los ancianos", explica Kobayashi, que recorrió toda la costa este de Japón en busca de escenarios en los que grabar su película. "Finalmente me decidí por Kesen-Numa, donde ya había grabado un trabajo anterior, y donde me compré una casa en la que pasaba temporadas", explica en un pasado que se vuelve leve, mientras dobla una gorra gris que tiene en sus manos o juega con sus largas uñas, como tratando de espantar la atención de una historia que le resulta dolorosa.

El director, acostumbrado a las entrevistas y a las ruedas de prensa, premiado en tres ocasiones en el Festival Internacional de Cannes, parece tímido. Habla en voz baja, con la mirada perdida, como si dialogara con sus fantasmas. Esos mismos fantasmas que pasan por Haru tono tabi y que se han quedado allí, porque ya no podrán volver a recorrer Kesen-Numa, ni salir a pescar, ni, en el mejor de los casos, regresar a sus casas.

"Muchos han muerto. Otros han perdido sus casas y ahora se encuentran en campamentos para refugiados. El gobierno japonés ha comenzado la construcción de viviendas provisionales lejos del mar, pero ellos quieren regresar a la ciudad. Hay un vínculo inexorable entre las personas y su tierra. Después de una tragedia tan enorme quieren reconstruir la ciudad en el mismo lugar. Es algo muy significativo de la condición humana", explica Kobayashi.

Lo quiera o no, la tragedia del tsunami ha marcado su película por muchos motivos. En primer lugar por tratarse de uno de los últimos retratos de la vida de los pescadores antes de que la ola lo arrasara todo. Luego también está la simbología, esa escena en la que se habla de dos tsunamis anteriores en el mismo lugar... "Me documenté mucho sobre aquello. Me sorprendía que la aldea se hubiera levantado de nuevo en el mismo lugar en el que décadas antes una ola acabó con todo. Hoy la historia es la misma. Parece ser que no hemos cambiado tanto", añadió.

Kobayashi, que compite con este trabajo en la sección oficial del festival, se decantó por la presentación en España dentro del festival granadino porque sabe que se trata de un público "que va a entender muy bien la película". De hecho, es en Europa donde ha logrado un mayor reconocimiento. En 2007, The Rebirth fue presentada en la segunda edición de Cines del Sur y posteriormente obtuvo tres premios en el Festival de Locarno.

Pese a que sus películas tienen un importante componente social, el cineasta no quiere definirse como un autor "comprometido". "No creo que sea mi misión la de denunciar diferentes conflictos sociales. Simplemente me interesan las emociones humanas, son el centro de mi trabajo. Al centrarme en ellas se producen mensajes sociales pero no de forma muy obvia. Es la confrontación entre las personas y las contradicciones aquello que está reflejado en mis películas".

En Haru tono tabi, que se desarrolla bajo la fórmula de una roadmovie, el retrato sentimental se va convirtiendo poco a poco en un melodrama. El acercamiento de sus dos personajes principales sirve para desentrañar algunos de los valores esenciales de la cultura japonesa, como es el caso de la piedad filial. "Se trata de un conflicto muy duro para los dos, muy difícil de superar. Es un conflicto universal que sucede en todo el mundo y en todas las culturas", concluye.

Fuente: ElPaís
URL del artículo: http://www.elpais.com/articulo/cultura/cine/preserva/llevo/tsunami/elpepuculcin/20110607elpepucul_1/Tes

"'Tintín', un dolor de cabeza para la Academia de Hollywood"

El próximo estreno de la película en formato 'mocap' reabre el debate sobre la categoría de esa técnica, mitad grabación y mitad animación

ROCÍO AYUSO - Los Ángeles

Todavía no se ha estrenado pero la llegada de Tintín a las grandes pantallas con la adaptación de El secreto del unicornio se está convirtiendo en un quebradero de cabeza para la Academia de los Oscar. La película, realizada con técnicas de captura de movimiento o mocap y dirigida por Steven Spielberg, no encuentra su lugar en la institución. El primer tráiler de la cinta muestra imágenes que quieren ser fieles al cómic de Hergé manteniendo un estilo animado pero a la vez fotos realistas donde actores como Jamie Bell o Daniel Craig ponen no solo la voz sino la interpretación a los personajes principales. Es la misma técnica que utilizó James Cameron en Avatar pero con una gran diferencia. Mientras el director de Titanic siempre vio su obra como un filme, Spielberg tiene claro que Las aventuras de Tintín es una película animada.

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas que entrega anualmente los Oscar ha dejado muy claro en sus reglas que "el mocap por sí mismo no es una técnica de animación". El debate viene de lejos, desde que el mocap ganó terreno en el cine gracias a los avances tecnológicos. Son muchos los profesionales que consideran las técnicas de captura de movimiento una versión moderna del rotoscopio, sistema utilizado por grandes animadores de la época dorada de Disney para calcar en dibujo el movimiento de una Blancanieves que habían filmado previamente. Pero en la actualidad son muchas las estrellas como Tom Hanks, Angelina Jolie o Jim Carrey que han interpretado sus papeles vestidos con una malla dotada de puntos reflectantes que, captados por las cámaras, permiten a los animadores reproducir sus movimientos en ese cuerpo digital creado para el filme. Una técnica que, como dice Bill Kroyer, miembro de la junta directiva de la rama de animación de la Academia, tiene sus "profetas y otros que la tildan de herejía". Entre los profetas están Robert Zemeckis, detrás de filmes como Polar Express, que defiende desde hace años una categoría propia para las películas realizadas en mocap, algo improbable en un momento en el quela Academia quiere recortar el número de galardones para aligerar la ceremonia.

La decisión de la Academia, lejos de poner punto final al debate, solo abre más interrogantes porque si el mocap no es una técnica de animación ¿qué hace Happy Feet con el Oscar que recibió en 2007 a la mejor película animada? Las repercusiones de esta decisión también se dejarán sentir en otras categorías como la de mejor actor. ¿Cualifica la interpretación de Craig como Rackham el rojo en Tintín para esa categoría incluso si su creación es una criatura sintética, simbiosis del movimiento del intérprete británico y la destreza de un animador? Los estudios Disney lo intentaron hace dos años con Carrey en Disney: Cuento de Navidad (A Christmas Carol) pero las normas de la Academia impidieron su postulación. Y una de las supuestas razones de la derrota de Avatar en los Oscar fue la falta de apoyo entre el gremio de los actores, el más numeroso dela Academia y todavía desconfiado con esta técnica.

Los foros de animadores también están divididos entre aquellos que se sienten incómodos con una técnica por la que no se les reconoce como artistas y los que, les guste o no el resultado, ven en películas como Avatar o Las aventuras de Tintín el futuro. "Para hacer mocap o realizar trabajos más típicos en animación hablamos de los mismos programas, los mismo ordenadores y los mismos artistas", añade Kroyer.

El debate está lejos de encontrar un final. El peso de Spielberg en la industria puede ser determinante para cambiar una regla que levanta muchas ampollas en un año en el que el realizador más respetado de la industria cuenta con otro estreno, el filme dramático The War Horse, y no quiere ser competencia de sí mismo. Curiosamente el productor y director de la próxima aventura de Tintín, Peter Jackson, coincide más con la Academia que con Spielberg. El retorno del rey, que se llevó el Oscar a la mejor película en 2004, es considerada junto con el resto de la saga del anillo como el descubrimiento del mocap. Y para el estreno de The Hobbit en 2012 es natural que las aspiraciones de Jackson estén puestas en la categoría de mejor película: nada de verse relegado al nicho de los filmes de animación.

Fuente: ElPaís
URL del artículo: http://www.elpais.com/articulo/cultura/Tintin/dolor/cabeza/Academia/Hollywood/elpepucul/20110606elpepucul_1/Tes

'La carcajada es enemiga de la comedia'

Dario Prieto - Madrid

El año pasado 'El secreto de sus ojos' se llevó el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa, por delante de la gran favorita a priori, 'La cinta blanca' de Michael Haneke. Una película tan ambiciosa y potente necesitaba de un actor a su altura y Ricardo Darín cumplió con el cometido. En realidad, lo viene haciendo con casi todos los grandes títulos argentinos de los últimos años, aunque él dice que hizo "muchas porquerías" al principio de su carrera.

Ahora, Darín regresa con una película pequeña. 'Un cuento chino', que se estrena en España el próximo 17 de junio, cuenta la historia de un ferretero argentino enfadado con el mundo y con su absurdo, al que da vida Darín, que un día se encuentra con un inmigrante chino que no habla ni palabra de español y al que decide acoger temporalmente. Las dificultades de comunicación, la solidaridad y la aceptación del sistema son algunos de los temas en torno a los que gira la película dirigida por Sebastián Borensztein.

El actor ha estado este lunes en Madrid para promocionar la película, y, aunque ha destacado que su personaje gruñón es bastante distinto de su carácter jovial, también ha reconocido que tiene puntos en común con él. "Su disconformidad con el sistema, su enojo hacia los malos tratos, su obsesión por defender cuestiones sociales. No tengo que ver con su temperamento, pero puedo entender que alguien termine tan enojado".

"De la dinámica de la vida actual, me llama mucho la atención cómo nos hemos acostumbrado a las anomalías", ha apuntado Darín. "Cómo hemos terminado domesticados de alguna forma ante ciertas deformidades sociales que nos afectan, nos pegan, nos duelen y nos hieren. Eso es aterrador".

Siguiendo con las dimensiones reducidas, Darín ha destacado que uno de sus sistemas de trabajo es la máxima "la carcajada es enemiga de la comedia". "Si uno se abraza a la carcajada se pierde la otra parte de la comedia, que es lo que está por debajo de la gracia", ha apuntado.

Fuente: ElMundo y Youtube
URL del artículo: http://www.elmundo.es/elmundo/2011/06/06/cultura/1307365934.html

'Que levante la mano quien ya haya visto 'Un perro andaluz...'

Carlos Cid | Shanghái (China)

"Que levante la mano quien ya haya visto 'Un perro andaluz'". Javier García Puerto (Tarragona, 1975) se enfrenta a un grupo de periodistas chinos arremolinados en torno a la pantalla y arropados por la oscuridad de la sala de exposiciones del Instituto Cervantes de Shanghái, y deja que el silencio cale. "Entonces os envidio, porque vais a disfrutar por primera vez de una obra esencial de la historia del arte".

El acto es la presentación de la exposición 'Del cine experimental a la vanguardia audiovisual', una panorámica del cine experimental y el video arte españoles, desde el archiconocido ojo de oveja apañado por la cuchilla onírica de Buñuel y Dalí hasta 'collages' realizados en un portátil con material sacado de Google.

Javier García Puerto es Licenciado en Comunicación Audiovisual e Historia del Arte, imparte clases en varias universidades, es director del festival �rec� de Tarragona y ejerce de comisario en esta retrospectiva organizada por el Cervantes de Shanghái. La exposición aglutina y ordena varios ciclos ya existentes y abarca todas las épocas y estilos del "otro cine" español, desde sus inicios hasta el siglo XXI.

"Que películas como 'Arrebato', de Iván Zulueta, o 'Un perro andaluz' no se hayan mostrado en algunos países evidencia la incapacidad que, hasta hace poco, tenía la cultura española de promocionarse a sí misma". Y es que, según el comisario, tradicionalmente han sido las grandes instituciones internacionales las que venían a España a buscar a estos autores para exportarlos a sus museos y sus festivales.

García Puerto ha comisariado exposiciones en España, Alemania e Israel, donde el contexto cultural es afín al de los creadores de las piezas que se exponen en Shanghái, pero para él la reacción del público chino era una incógnita. "Es la primera vez que 'Un perro andaluz' se proyecta en China, y aunque en los círculos cinematográficos y artísticos es un referente mítico del que todos han oído hablar, la mayoría de las veces no han tenido la oportunidad de verla". La primera sorpresa ha sido que el público no especializado ha reaccionado �lo sugiere el gesto de varios asistentes que se echan las manos a la cara en la escena del ojo y la cuchilla�, y eso habla de "la vigencia y universalidad de películas que fueron muy rompedoras en su momento, hace prácticamente 100 años, y que conservan la capacidad de sacudir y de dejar imágenes impactantes en la retina a través del tiempo y la distancia". Falta por ver si la cultura del país es capaz de responder, de incorporarla a su colección de referencias artísticas y a su lenguaje propio.

¿Se aprende algo sobre España en esta exposición? "La historia del cine experimental es una especie de cara B de la historia de España, porque los picos creativos coinciden con los momentos de mayor efervescencia política y social". El primer pico se da a finales de los años 20 y principios de los 30, con ese caldo de cultivo social que desemboca en la república. Los años 50 son de sequía creativa salvo en el caso de Val del Omar, "inventor indómito y estilista brillante", a quien la exposición reserva un espacio. El aperturismo de finales del franquismo coincide con una nueva generación de creadores que se adueñan de tecnologías recién llegadas, como el vídeo y el Super 8. De esta hornada surgen Zulueta y Almodóvar antes de dedicarse al cine más o menos convencional. "La democracia establece un circuito y hace más visibles a estos cineastas, con subvenciones y la atención de las instituciones artísticas y los medios de comunicación generalistas".

A veces es difícil encontrar el hilo conductor de la creación experimental española, compuesta por "francotiradores que trabajaban de manera aislada y que estaban fuera de los circuitos oficiales". No hubo un movimiento conjunto, y no se pueden establecer elementos estilísticos comunes, "el hecho de estar alejados de las tendencias y de la influencia institucional hace que su apuesta personal se subraye más, y eso los lleva a altas cotas de libertad e innovación". García Puerto considera que el cine experimental español resulta particularmente interesante para el público que se acerca por primera vez a este género, ya que "una mirada en retrospectiva da una visión de un panorama muy amplio, con una paleta muy variada y, por lo tanto, es una historia del cine muy didáctica".

Se enciende la luz de la sala, donde todavía parecen flotar los últimos acordes de 'Tristán e Isolda'. "Os lo advertí, si el cine pretende crear emociones que se graben en la memoria, los 17 minutos que acabáis de presenciar ostentan el record de consecución de impactos emocionales". El público abandona el recinto dispuesto a degustar los canapés de gazpacho picante 'a la shanghainesa' y unos dulces con una sustancia blanquecina y gelatinosa que huelen a pastel de queso y arándanos. aunque hay quien, conmovido, no tiene fuerzas para hincar el palillo.

Fuente: ElMundo
URL del artículo: http://www.elmundo.es/elmundo/2011/06/06/cultura/1307357287.html

"La indignación de Ricardo Darín"

El actor presenta 'Un cuento chino', taquillazo en Argentina

SARA BRITO MADRID

Un tipo peculiar este Roberto: vende tornillos y colecciona noticias de sucesos bizarros que aparecen en los diarios. Es huraño y maniático y se lleva tan mal con el sistema que no hace el menor esfuerzo por disimularlo. "Admiro su franqueza, su capacidad de ser políticamente incorrecto", decía ayer el actor Ricardo Darín sobre su personaje en Un cuento chino, una película pequeña que ha barrido a los grandes blockbusters en la taquilla argentina hasta convertirse en un auténtico fenómeno que han visto un millón de espectadores.

"Lo que me llama mucho la atención de la vida últimamente", se extiende Darín, "es cómo nos hemos acostumbrado a las anomalías, cómo hemos acabado domesticados ante ciertas deformidades sociales que nos afectan. Nos hemos acostumbrado al mal menor, a los daños pequeños, y en el fondo por ahí es por donde se empieza a perder. Nos hemos alejado tanto de la orilla que ya no sabemos dónde estamos", confesó ayer en una entrevista con Público.

Pero su personaje en el filme no pasa por esas. Él es de los que no tolera que lo engañen. "Hay una escena en la película en la que Roberto discute porque le faltan seis tornillos en una caja. No da lo mismo seis tornillos que 6.000, dice, como no da lo mismo muchas cosas que pasan en nuestras vidas. Nos engañan continuamente, pero no nos importa porque andamos demasiado ocupados", remarcó Darín.

Un cuento chino, que se estrena el próximo 17 de junio, habla de todo esto, pero sin grandes gestos. Se trata más bien de una pequeña fábula humana salpicada con un poco de humor. ¿Están él y su personaje indignados? "La indignación es muy tajante y yo soy más de intentar entender a todas las partes", matizó. "Pero conozco lo que ha pasado en España, y creo que es el inicio de un movimiento mundial que se va a reproducir", indicó.

Roberto es un ferretero que ha cerrado su vida, como hace cada noche con las rejas viejas de su tienda. Es de los que decidió hace mucho apearse de la vida y no deja que nada ni nadie se meta en su rutina maniática. El azar hará que acabe metiendo en su casa a un joven chino que lo alterará hasta el punto de hacerle reaccionar, no sin dificultades, para volver a tomar las riendas de su propia vida.

"Hay una cosa hermosa en la película que consiste en ver cómo un tipo mayor acaba cambiando su vida gracias a una persona con la que no es capaz de intercambiar una sola palabra", apuntaba ayer un Darín disfrazado de antigalán para este filme.

El actor, que resurgió con Nueve reinas (2000), vuelve a meterse en una película que habla de las personas, pero también de la política que acaba salpicando a los individuos. Si en El secreto de sus ojos fue la dictadura que vivió su país desde 1976, aquí, la película aborda las secuelas emocionales que dejó en un hombre la guerra de las Malvinas.

"Que no me digan que las Malvinas no fue algo absurdo. Yo aún recuerdo escuchar en la radio cómo nos intentaban convencer de que estábamos ganando a los ingleses", insistió. Sin embargo, en esta ocasión no se trata de un gran relato histórico y personal como el de Campanella, sino de "una película mucho más pequeña", como apuntó Darín. Una fábula mínima, que para el actor se convierte en la mejor manera de llegar al espectador y tocarle el corazón.

Fuente: Público
URL del artículo: http://www.publico.es/culturas/380569/la-indignacion-de-ricardo-darin

"Los jóvenes 'X-Men' conquistan la taquilla mundial"

La precuela de los mutantes recauda 82 millones de euros en todo el mundo en su primer fin de semana

PÚBLICO.ES Madrid

El gran estreno de este fin de semana ha sido, sin duda, X-Men: primera generación , que Fox estrena de forma muy potente en más de 550 pantallas españolas. Los buenos comentarios y críticas que se han oído desde su estreno en EEUU han llenado las salas con una gran expectación.

Otra ventaja que poseían los mutantes ha sido la casi nula competencia en una cartelera española en la que la presencia de la cuarta entrega de Piratas del Caribe o las lejanas Fast  & Furious y Thor podían hacer sombra a la precuela.

De momento Primera generación debería alcanzar los 3,1 millones de euros en España, pero con opciones de poder llegar más cerca de los 3,4 millones, aunque aún no hay datos confirmados.

Las anteriores entregas de la saga se movieron entre los 3,6 y los 3,8 millones de euros en los fines de semana de estreno. El cuarto film, Lobezno, primer spin-off de la saga, generó 3,3 millones en su estreno en España.

Disney verá relegado su Piratas del Caribe 4 al segundo puesto pero no con cifras negativas. La pasada semana descendió un 51%, aunque lleva recaudados un total de 13,6 millones de euros en tres semanas.

Líder mundial indiscutible

La quinta entrega de X-Men alcanzó este fin de semana el primer lugar de la taquilla mundial tras vender cerca de 82 millones de euros en entradas, según la distribuidora 20th Century Fox .

X-Men: Primera generación, nuevo relanzamiento de la franquicia del cómic de Marvel, se estrenó en el primer lugar en EEUU y en Canadá, con 38 millones de euros, cumpliendo con las expectativas del estudio previo.

Aunque el estreno en Estados Unidos fue bastante más bajo que la mayoría de las películas previas de la franquicia de X-Men, en general se garantiza que habrá más películas sobre las hazañas de este grupo de súper héroes mutantes.

La nueva entrega de los mutantes, que costó unos 110 millones de euros, es una precuela sobre los años formativos de los mutantes más conocidos. Charles Xavier y Erik (Magneto) exploran sus habilidades y luchan en un frente común en el contexto de la crisis de los misiles en los años 60. Tanto críticos como fanáticos alabaron la nueva película y a su director.

Fuente: Público
URL del artículo: http://www.publico.es/culturas/380416/los-jovenes-x-men-conquistan-la-taquilla-mundial

"«Eclipse» arrasa en los premios de cine de la MTV"

Por tercer año consecutivo, la romántica película entre una mortal y un vampiro fue escogida como el mejor filme del año en una ceremonia alegre, a veces subida de tono, que honra a las películas más vistas de Hollywood.

Los premios de cine de la MTV se convirtieron en publicidad gratis para la franquicia de películas Crepúsculo.

La segunda parte de la saga, Eclipse, que recibió ocho nominaciones, terminó llevándose cinco premios. En una repetición de la entrega del año pasado, Robert Pattinson y Kristen Stewart obtuvieron los premios al mejor actor y la mejor actriz, respectivamente.

Los actores, que también son pareja en la vida real, ganaron el premio a mejor beso, que Pattinson celebró corriendo hacia la audiencia para besuquear al actor y coprotagonista Taylor Lautner.

Pattinson se llevó también el premio a la mejor pelea, compartiendo el galardón con Bryce Dallas Howard y Xavier Samuel.

Con categorías como esas, nadie confundiría jamás a la ceremonia de MTV con los Premios Oscar de la Academia. El objetivo real del espectáculo es promover las próximas películas que apuntan al grupo demográfico juvenil de MTV.

De hecho, se presentaron anticipos de la cuarta película de la saga de vampiros, Amanecer, Parte 1, cuyo estreno mundial será el 18 de noviembre.

Otras imágenes exclusivas que fueron presentadas correspondieron a Super 8, que saldrá a los cines en Estados Unidos el viernes 10, y Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, Parte 2, que se exhibirá desde el 15 de julio.

Los premios se deciden a través de la votación de los aficionados por internet, lo que posiblemente explica por qué Justin Bieber ganó la categoría "Momento para quedar con la boca abierta" con la película 3D de su recital Never Say Never. El ídolo juvenil canadiense venció a escenas de mayor tensión en películas como Cisne negro y 127 horas.

A los productores de La red social probablemente no les quitará el sueño que el guión ganador del Oscar de Aaron Sorkin haya perdido en la categoría "Mejor línea" ante el filme Niños grandes, que fue un fracaso ante la crítica.

El humor picaresco caracterizó la noche, principalmente gracias a su presentador, el cómico de Saturday Night LiveJason Sudeikis.

Fuente: LaRazón

URL del artículo: http://www.larazon.es/noticia/9709-la-segunda-parte-de-crepusculo-arrasa-en-los-premios-de-cine-de-la-mtv