martes, 7 de junio de 2011

NOTICIAS MARTES 07 DE JUNIO DEL 2011

"'Apocalypse Now' definitivo"

Por: Álvaro P. Ruiz de Elvira

El rodaje de Apocalypse Now en Filipinas fue un infierno. Algo explicado perfectamente en unos cuantos libros, documentales y artículos muy recomendables, como el diario de rodaje que hizo la mujer de Coppola, Eleanor, Con el corazón en tinieblas (Emece) o el relato al detalle de Peter Cowie en The Apocalypse Now Book. Lecturas imprescindibles para conocer cómo la vida de Coppola se fue a pique durante dos años o detalles del rodaje como que Steve McQueen rechazó el papel del Capitán Willard o que a dos semanas de comenzar el rodaje, Francis Ford Coppola reemplazó a Harvey Keitel, que ya había rodado algunas escenas, por Martin Sheen.
Ahora sale en Blu-Ray (8 de junio en España) la que se podría denominar como edición definitiva de la película, con tres discos que incluyen tanto la edición original como la Redux que Coppola sacó hace una década, aparte de numerosos extras y el documental Corazones de la oscuridad: el apocalipsis de un cineasta. Entre los extras hay dos conversaciones jugosas, una de Coppola con Martin Sheen y otra del cineasta con el cineasta John Millius, autor del guión. También habrá una edición más modesta con dos discos.
En Versión Muy Original adelantamos en primita la primera conversación, en la que director y actor hablan sobre las dificultades del rodaje de las últimas escena de la película en el río…

(Ver video en URL del artículo: http://blogs.elpais.com/version-muy-original/2011/06/apocalypse-now-definitivo.html)

Fuente: ElPaís

"El cine preserva lo que se llevó el tsunami"

El director japonés Kobayashi estrena su cinta en Granada

FERNANDO VALVERDE - Granada

El pasado 11 de marzo una inmensa ola arrasó la costa oriental de Japón cambiando para siempre las líneas del futuro, el destino de un país que tal vez pueda superar la catástrofe, pero difícilmente olvidarla. "También cambió su pasado", reconoce el cineasta Masahiro Kobayashi (Tokio, Japón, 1954), que el pasado domingo presentó en la quinta edición del Festival Cines del Sur su último trabajo, Haru tono tabi (Haru'sJourney).
Kobayashi terminó pocos meses antes del tsunami, que se ha convertido para él en una referencia temporal ineludible, las escenas finales de su película. Lo hizo en Kesen-Numa, una ciudad hoy casi convertida en lodo y escombros, un lugar "lleno de vida" que ahora es un desierto al que los supervivientes quieren regresar, aunque el gobierno japonés no lo permita por el momento.
A comienzos de 2010, Masahiro Kobayashi se propuso rodar una película que hablara sobre la vejez, sobre la forma en la que mueren muchos ancianos en Japón, abandonados y solos, como si la modernidad los hubiera sentenciado al olvido. "En Japón los ancianos están muy desprotegidos. Muchos de ellos mueren solos. Incluso se descubren sus cuerpos meses después. Además, hay muchos suicidios. No existe una seguridad social que los proteja", explica. Ese es o era el eje central de su película. Su protagonista,Tadao, un pescador de Kesen-Numa, se ve obligado a dejar de trabajar. Entonces comienza a depender económicamente de su hija y después de su nieta, Haru. Ya al final de su vida, el cierre de la escuela de primaria en la que trabaja la nieta como profesora fuerza una situación desesperada. Ella quiere marcharse a Tokio y él se da cuenta de que es un estorbo. "He querido realizar una versión moderna de un tema muy tradicional en Japón, como es la separación de los jóvenes y los ancianos", explica Kobayashi, que recorrió toda la costa este de Japón en busca de escenarios en los que grabar su película. "Finalmente me decidí por Kesen-Numa, donde ya había grabado un trabajo anterior, y donde me compré una casa en la que pasaba temporadas", explica en un pasado que se vuelve leve, mientras dobla una gorra gris que tiene en sus manos o juega con sus largas uñas, como tratando de espantar la atención de una historia que le resulta dolorosa.
El director, acostumbrado a las entrevistas y a las ruedas de prensa, premiado en tres ocasiones en el Festival Internacional de Cannes, parece tímido. Habla en voz baja, con la mirada perdida, como si dialogara con sus fantasmas. Esos mismos fantasmas que pasan por Haru tono tabi y que se han quedado allí, porque ya no podrán volver a recorrer Kesen-Numa, ni salir a pescar, ni, en el mejor de los casos, regresar a sus casas.
"Muchos han muerto. Otros han perdido sus casas y ahora se encuentran en campamentos para refugiados. El gobierno japonés ha comenzado la construcción de viviendas provisionales lejos del mar, pero ellos quieren regresar a la ciudad. Hay un vínculo inexorable entre las personas y su tierra. Después de una tragedia tan enorme quieren reconstruir la ciudad en el mismo lugar. Es algo muy significativo de la condición humana", explica Kobayashi.
Lo quiera o no, la tragedia del tsunami ha marcado su película por muchos motivos. En primer lugar por tratarse de uno de los últimos retratos de la vida de los pescadores antes de que la ola lo arrasara todo. Luego también está la simbología, esa escena en la que se habla de dos tsunamis anteriores en el mismo lugar... "Me documenté mucho sobre aquello. Me sorprendía que la aldea se hubiera levantado de nuevo en el mismo lugar en el que décadas antes una ola acabó con todo. Hoy la historia es la misma. Parece ser que no hemos cambiado tanto", añadió.
Kobayashi, que compite con este trabajo en la sección oficial del festival, se decantó por la presentación en España dentro del festival granadino porque sabe que se trata de un público "que va a entender muy bien la película". De hecho, es en Europa donde ha logrado un mayor reconocimiento. En 2007, The Rebirth fue presentada en la segunda edición de Cines del Sur y posteriormente obtuvo tres premios en el Festival de Locarno.
Pese a que sus películas tienen un importante componente social, el cineasta no quiere definirse como un autor "comprometido". "No creo que sea mi misión la de denunciar diferentes conflictos sociales. Simplemente me interesan las emociones humanas, son el centro de mi trabajo. Al centrarme en ellas se producen mensajes sociales pero no de forma muy obvia. Es la confrontación entre las personas y las contradicciones aquello que está reflejado en mis películas".
En Haru tono tabi, que se desarrolla bajo la fórmula de una roadmovie, el retrato sentimental se va convirtiendo poco a poco en un melodrama. El acercamiento de sus dos personajes principales sirve para desentrañar algunos de los valores esenciales de la cultura japonesa, como es el caso de la piedad filial. "Se trata de un conflicto muy duro para los dos, muy difícil de superar. Es un conflicto universal que sucede en todo el mundo y en todas las culturas", concluye.

Fuente: ElPaís
URL del artículo: http://www.elpais.com/articulo/cultura/cine/preserva/llevo/tsunami/elpepuculcin/20110607elpepucul_1/Tes

"'Tintín', un dolor de cabeza para la Academia de Hollywood"

El próximo estreno de la película en formato 'mocap' reabre el debate sobre la categoría de esa técnica, mitad grabación y mitad animación

ROCÍO AYUSO - Los Ángeles


Todavía no se ha estrenado pero la llegada de Tintín a las grandes pantallas con la adaptación de El secreto del unicornio se está convirtiendo en un quebradero de cabeza para la Academia de los Oscar. La película, realizada con técnicas de captura de movimiento o mocap y dirigida por Steven Spielberg, no encuentra su lugar en la institución. El primer tráiler de la cinta muestra imágenes que quieren ser fieles al cómic de Hergé manteniendo un estilo animado pero a la vez fotos realistas donde actores como Jamie Bell o Daniel Craig ponen no solo la voz sino la interpretación a los personajes principales. Es la misma técnica que utilizó James Cameron en Avatar pero con una gran diferencia. Mientras el director de Titanic siempre vio su obra como un filme, Spielberg tiene claro que Las aventuras de Tintín es una película animada.
La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas que entrega anualmente los Oscar ha dejado muy claro en sus reglas que "el mocap por sí mismo no es una técnica de animación". El debate viene de lejos, desde que el mocap ganó terreno en el cine gracias a los avances tecnológicos. Son muchos los profesionales que consideran las técnicas de captura de movimiento una versión moderna del rotoscopio, sistema utilizado por grandes animadores de la época dorada de Disney para calcar en dibujo el movimiento de una Blancanieves que habían filmado previamente. Pero en la actualidad son muchas las estrellas como Tom Hanks, Angelina Jolie o Jim Carrey que han interpretado sus papeles vestidos con una malla dotada de puntos reflectantes que, captados por las cámaras, permiten a los animadores reproducir sus movimientos en ese cuerpo digital creado para el filme. Una técnica que, como dice Bill Kroyer, miembro de la junta directiva de la rama de animación de la Academia, tiene sus "profetas y otros que la tildan de herejía". Entre los profetas están Robert Zemeckis, detrás de filmes como Polar Express, que defiende desde hace años una categoría propia para las películas realizadas en mocap, algo improbable en un momento en el quela Academia quiere recortar el número de galardones para aligerar la ceremonia.
La decisión de la Academia, lejos de poner punto final al debate, solo abre más interrogantes porque si el mocap no es una técnica de animación ¿qué hace Happy Feet con el Oscar que recibió en 2007 a la mejor película animada? Las repercusiones de esta decisión también se dejarán sentir en otras categorías como la de mejor actor. ¿Cualifica la interpretación de Craig como Rackham el rojo en Tintín para esa categoría incluso si su creación es una criatura sintética, simbiosis del movimiento del intérprete británico y la destreza de un animador? Los estudios Disney lo intentaron hace dos años con Carrey en Disney: Cuento de Navidad (A Christmas Carol) pero las normas de la Academia impidieron su postulación. Y una de las supuestas razones de la derrota de Avatar en los Oscar fue la falta de apoyo entre el gremio de los actores, el más numeroso dela Academia y todavía desconfiado con esta técnica.
Los foros de animadores también están divididos entre aquellos que se sienten incómodos con una técnica por la que no se les reconoce como artistas y los que, les guste o no el resultado, ven en películas como Avatar o Las aventuras de Tintín el futuro. "Para hacer mocap o realizar trabajos más típicos en animación hablamos de los mismos programas, los mismo ordenadores y los mismos artistas", añade Kroyer.
El debate está lejos de encontrar un final. El peso de Spielberg en la industria puede ser determinante para cambiar una regla que levanta muchas ampollas en un año en el que el realizador más respetado de la industria cuenta con otro estreno, el filme dramático The War Horse, y no quiere ser competencia de sí mismo. Curiosamente el productor y director de la próxima aventura de Tintín, Peter Jackson, coincide más con la Academia que con Spielberg. El retorno del rey, que se llevó el Oscar a la mejor película en 2004, es considerada junto con el resto de la saga del anillo como el descubrimiento del mocap. Y para el estreno de The Hobbit en 2012 es natural que las aspiraciones de Jackson estén puestas en la categoría de mejor película: nada de verse relegado al nicho de los filmes de animación.

Fuente: ElPaís
URL del artículo: http://www.elpais.com/articulo/cultura/Tintin/dolor/cabeza/Academia/Hollywood/elpepucul/20110606elpepucul_1/Tes

'La carcajada es enemiga de la comedia'

Dario Prieto - Madrid


El año pasado 'El secreto de sus ojos' se llevó el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa, por delante de la gran favorita a priori, 'La cinta blanca' de Michael Haneke. Una película tan ambiciosa y potente necesitaba de un actor a su altura y Ricardo Darín cumplió con el cometido. En realidad, lo viene haciendo con casi todos los grandes títulos argentinos de los últimos años, aunque él dice que hizo "muchas porquerías" al principio de su carrera.
Ahora, Darín regresa con una película pequeña. 'Un cuento chino', que se estrena en España el próximo 17 de junio, cuenta la historia de un ferretero argentino enfadado con el mundo y con su absurdo, al que da vida Darín, que un día se encuentra con un inmigrante chino que no habla ni palabra de español y al que decide acoger temporalmente. Las dificultades de comunicación, la solidaridad y la aceptación del sistema son algunos de los temas en torno a los que gira la película dirigida por Sebastián Borensztein.
El actor ha estado este lunes en Madrid para promocionar la película, y, aunque ha destacado que su personaje gruñón es bastante distinto de su carácter jovial, también ha reconocido que tiene puntos en común con él. "Su disconformidad con el sistema, su enojo hacia los malos tratos, su obsesión por defender cuestiones sociales. No tengo que ver con su temperamento, pero puedo entender que alguien termine tan enojado".

"De la dinámica de la vida actual, me llama mucho la atención cómo nos hemos acostumbrado a las anomalías", ha apuntado Darín. "Cómo hemos terminado domesticados de alguna forma ante ciertas deformidades sociales que nos afectan, nos pegan, nos duelen y nos hieren. Eso es aterrador".
Siguiendo con las dimensiones reducidas, Darín ha destacado que uno de sus sistemas de trabajo es la máxima "la carcajada es enemiga de la comedia". "Si uno se abraza a la carcajada se pierde la otra parte de la comedia, que es lo que está por debajo de la gracia", ha apuntado.



Fuente: ElMundo y Youtube
URL del artículo: http://www.elmundo.es/elmundo/2011/06/06/cultura/1307365934.html

'Que levante la mano quien ya haya visto 'Un perro andaluz...'

Carlos Cid | Shanghái (China)


"Que levante la mano quien ya haya visto 'Un perro andaluz'". Javier García Puerto (Tarragona, 1975) se enfrenta a un grupo de periodistas chinos arremolinados en torno a la pantalla y arropados por la oscuridad de la sala de exposiciones del Instituto Cervantes de Shanghái, y deja que el silencio cale. "Entonces os envidio, porque vais a disfrutar por primera vez de una obra esencial de la historia del arte".
El acto es la presentación de la exposición 'Del cine experimental a la vanguardia audiovisual', una panorámica del cine experimental y el video arte españoles, desde el archiconocido ojo de oveja apañado por la cuchilla onírica de Buñuel y Dalí hasta 'collages' realizados en un portátil con material sacado de Google.
Javier García Puerto es Licenciado en Comunicación Audiovisual e Historia del Arte, imparte clases en varias universidades, es director del festival �rec� de Tarragona y ejerce de comisario en esta retrospectiva organizada por el Cervantes de Shanghái. La exposición aglutina y ordena varios ciclos ya existentes y abarca todas las épocas y estilos del "otro cine" español, desde sus inicios hasta el siglo XXI.
"Que películas como 'Arrebato', de Iván Zulueta, o 'Un perro andaluz' no se hayan mostrado en algunos países evidencia la incapacidad que, hasta hace poco, tenía la cultura española de promocionarse a sí misma". Y es que, según el comisario, tradicionalmente han sido las grandes instituciones internacionales las que venían a España a buscar a estos autores para exportarlos a sus museos y sus festivales.
García Puerto ha comisariado exposiciones en España, Alemania e Israel, donde el contexto cultural es afín al de los creadores de las piezas que se exponen en Shanghái, pero para él la reacción del público chino era una incógnita. "Es la primera vez que 'Un perro andaluz' se proyecta en China, y aunque en los círculos cinematográficos y artísticos es un referente mítico del que todos han oído hablar, la mayoría de las veces no han tenido la oportunidad de verla". La primera sorpresa ha sido que el público no especializado ha reaccionado �lo sugiere el gesto de varios asistentes que se echan las manos a la cara en la escena del ojo y la cuchilla�, y eso habla de "la vigencia y universalidad de películas que fueron muy rompedoras en su momento, hace prácticamente 100 años, y que conservan la capacidad de sacudir y de dejar imágenes impactantes en la retina a través del tiempo y la distancia". Falta por ver si la cultura del país es capaz de responder, de incorporarla a su colección de referencias artísticas y a su lenguaje propio.
¿Se aprende algo sobre España en esta exposición? "La historia del cine experimental es una especie de cara B de la historia de España, porque los picos creativos coinciden con los momentos de mayor efervescencia política y social". El primer pico se da a finales de los años 20 y principios de los 30, con ese caldo de cultivo social que desemboca en la república. Los años 50 son de sequía creativa salvo en el caso de Val del Omar, "inventor indómito y estilista brillante", a quien la exposición reserva un espacio. El aperturismo de finales del franquismo coincide con una nueva generación de creadores que se adueñan de tecnologías recién llegadas, como el vídeo y el Super 8. De esta hornada surgen Zulueta y Almodóvar antes de dedicarse al cine más o menos convencional. "La democracia establece un circuito y hace más visibles a estos cineastas, con subvenciones y la atención de las instituciones artísticas y los medios de comunicación generalistas".
A veces es difícil encontrar el hilo conductor de la creación experimental española, compuesta por "francotiradores que trabajaban de manera aislada y que estaban fuera de los circuitos oficiales". No hubo un movimiento conjunto, y no se pueden establecer elementos estilísticos comunes, "el hecho de estar alejados de las tendencias y de la influencia institucional hace que su apuesta personal se subraye más, y eso los lleva a altas cotas de libertad e innovación". García Puerto considera que el cine experimental español resulta particularmente interesante para el público que se acerca por primera vez a este género, ya que "una mirada en retrospectiva da una visión de un panorama muy amplio, con una paleta muy variada y, por lo tanto, es una historia del cine muy didáctica".
Se enciende la luz de la sala, donde todavía parecen flotar los últimos acordes de 'Tristán e Isolda'. "Os lo advertí, si el cine pretende crear emociones que se graben en la memoria, los 17 minutos que acabáis de presenciar ostentan el record de consecución de impactos emocionales". El público abandona el recinto dispuesto a degustar los canapés de gazpacho picante 'a la shanghainesa' y unos dulces con una sustancia blanquecina y gelatinosa que huelen a pastel de queso y arándanos. aunque hay quien, conmovido, no tiene fuerzas para hincar el palillo.

Fuente: ElMundo
URL del artículo: http://www.elmundo.es/elmundo/2011/06/06/cultura/1307357287.html

"La indignación de Ricardo Darín"

El actor presenta 'Un cuento chino', taquillazo en Argentina

SARA BRITO MADRID


Un tipo peculiar este Roberto: vende tornillos y colecciona noticias de sucesos bizarros que aparecen en los diarios. Es huraño y maniático y se lleva tan mal con el sistema que no hace el menor esfuerzo por disimularlo. "Admiro su franqueza, su capacidad de ser políticamente incorrecto", decía ayer el actor Ricardo Darín sobre su personaje en Un cuento chino, una película pequeña que ha barrido a los grandes blockbusters en la taquilla argentina hasta convertirse en un auténtico fenómeno que han visto un millón de espectadores.
"Lo que me llama mucho la atención de la vida últimamente", se extiende Darín, "es cómo nos hemos acostumbrado a las anomalías, cómo hemos acabado domesticados ante ciertas deformidades sociales que nos afectan. Nos hemos acostumbrado al mal menor, a los daños pequeños, y en el fondo por ahí es por donde se empieza a perder. Nos hemos alejado tanto de la orilla que ya no sabemos dónde estamos", confesó ayer en una entrevista con Público.
Pero su personaje en el filme no pasa por esas. Él es de los que no tolera que lo engañen. "Hay una escena en la película en la que Roberto discute porque le faltan seis tornillos en una caja. No da lo mismo seis tornillos que 6.000, dice, como no da lo mismo muchas cosas que pasan en nuestras vidas. Nos engañan continuamente, pero no nos importa porque andamos demasiado ocupados", remarcó Darín.
Un cuento chino, que se estrena el próximo 17 de junio, habla de todo esto, pero sin grandes gestos. Se trata más bien de una pequeña fábula humana salpicada con un poco de humor. ¿Están él y su personaje indignados? "La indignación es muy tajante y yo soy más de intentar entender a todas las partes", matizó. "Pero conozco lo que ha pasado en España, y creo que es el inicio de un movimiento mundial que se va a reproducir", indicó.
Roberto es un ferretero que ha cerrado su vida, como hace cada noche con las rejas viejas de su tienda. Es de los que decidió hace mucho apearse de la vida y no deja que nada ni nadie se meta en su rutina maniática. El azar hará que acabe metiendo en su casa a un joven chino que lo alterará hasta el punto de hacerle reaccionar, no sin dificultades, para volver a tomar las riendas de su propia vida.
"Hay una cosa hermosa en la película que consiste en ver cómo un tipo mayor acaba cambiando su vida gracias a una persona con la que no es capaz de intercambiar una sola palabra", apuntaba ayer un Darín disfrazado de antigalán para este filme.
El actor, que resurgió con Nueve reinas (2000), vuelve a meterse en una película que habla de las personas, pero también de la política que acaba salpicando a los individuos. Si en El secreto de sus ojos fue la dictadura que vivió su país desde 1976, aquí, la película aborda las secuelas emocionales que dejó en un hombre la guerra de las Malvinas.
"Que no me digan que las Malvinas no fue algo absurdo. Yo aún recuerdo escuchar en la radio cómo nos intentaban convencer de que estábamos ganando a los ingleses", insistió. Sin embargo, en esta ocasión no se trata de un gran relato histórico y personal como el de Campanella, sino de "una película mucho más pequeña", como apuntó Darín. Una fábula mínima, que para el actor se convierte en la mejor manera de llegar al espectador y tocarle el corazón.

Fuente: Público
URL del artículo: http://www.publico.es/culturas/380569/la-indignacion-de-ricardo-darin

"Los jóvenes 'X-Men' conquistan la taquilla mundial"

La precuela de los mutantes recauda 82 millones de euros en todo el mundo en su primer fin de semana

PÚBLICO.ES Madrid

El gran estreno de este fin de semana ha sido, sin duda, X-Men: primera generación , que Fox estrena de forma muy potente en más de 550 pantallas españolas. Los buenos comentarios y críticas que se han oído desde su estreno en EEUU han llenado las salas con una gran expectación.
Otra ventaja que poseían los mutantes ha sido la casi nula competencia en una cartelera española en la que la presencia de la cuarta entrega de Piratas del Caribe o las lejanas Fast  & Furious y Thor podían hacer sombra a la precuela.
De momento Primera generación debería alcanzar los 3,1 millones de euros en España, pero con opciones de poder llegar más cerca de los 3,4 millones, aunque aún no hay datos confirmados.
Las anteriores entregas de la saga se movieron entre los 3,6 y los 3,8 millones de euros en los fines de semana de estreno. El cuarto film, Lobezno, primer spin-off de la saga, generó 3,3 millones en su estreno en España.
Disney verá relegado su Piratas del Caribe 4 al segundo puesto pero no con cifras negativas. La pasada semana descendió un 51%, aunque lleva recaudados un total de 13,6 millones de euros en tres semanas.

Líder mundial indiscutible
La quinta entrega de X-Men alcanzó este fin de semana el primer lugar de la taquilla mundial tras vender cerca de 82 millones de euros en entradas, según la distribuidora 20th Century Fox .
X-Men: Primera generación, nuevo relanzamiento de la franquicia del cómic de Marvel, se estrenó en el primer lugar en EEUU y en Canadá, con 38 millones de euros, cumpliendo con las expectativas del estudio previo.
Aunque el estreno en Estados Unidos fue bastante más bajo que la mayoría de las películas previas de la franquicia de X-Men, en general se garantiza que habrá más películas sobre las hazañas de este grupo de súper héroes mutantes.
La nueva entrega de los mutantes, que costó unos 110 millones de euros, es una precuela sobre los años formativos de los mutantes más conocidos. Charles Xavier y Erik (Magneto) exploran sus habilidades y luchan en un frente común en el contexto de la crisis de los misiles en los años 60. Tanto críticos como fanáticos alabaron la nueva película y a su director.

Fuente: Público
URL del artículo: http://www.publico.es/culturas/380416/los-jovenes-x-men-conquistan-la-taquilla-mundial

"«Eclipse» arrasa en los premios de cine de la MTV"



Por tercer año consecutivo, la romántica película entre una mortal y un vampiro fue escogida como el mejor filme del año en una ceremonia alegre, a veces subida de tono, que honra a las películas más vistas de Hollywood.
Los premios de cine de la MTV se convirtieron en publicidad gratis para la franquicia de películas Crepúsculo.
La segunda parte de la saga, Eclipse, que recibió ocho nominaciones, terminó llevándose cinco premios. En una repetición de la entrega del año pasado, Robert Pattinson y Kristen Stewart obtuvieron los premios al mejor actor y la mejor actriz, respectivamente.
Los actores, que también son pareja en la vida real, ganaron el premio a mejor beso, que Pattinson celebró corriendo hacia la audiencia para besuquear al actor y coprotagonista Taylor Lautner.
Pattinson se llevó también el premio a la mejor pelea, compartiendo el galardón con Bryce Dallas Howard y Xavier Samuel.
Con categorías como esas, nadie confundiría jamás a la ceremonia de MTV con los Premios Oscar de la Academia. El objetivo real del espectáculo es promover las próximas películas que apuntan al grupo demográfico juvenil de MTV.
De hecho, se presentaron anticipos de la cuarta película de la saga de vampiros, Amanecer, Parte 1, cuyo estreno mundial será el 18 de noviembre.
Otras imágenes exclusivas que fueron presentadas correspondieron a Super 8, que saldrá a los cines en Estados Unidos el viernes 10, y Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, Parte 2, que se exhibirá desde el 15 de julio.
Los premios se deciden a través de la votación de los aficionados por internet, lo que posiblemente explica por qué Justin Bieber ganó la categoría "Momento para quedar con la boca abierta" con la película 3D de su recital Never Say Never. El ídolo juvenil canadiense venció a escenas de mayor tensión en películas como Cisne negro y 127 horas.
A los productores de La red social probablemente no les quitará el sueño que el guión ganador del Oscar de Aaron Sorkin haya perdido en la categoría "Mejor línea" ante el filme Niños grandes, que fue un fracaso ante la crítica.
El humor picaresco caracterizó la noche, principalmente gracias a su presentador, el cómico de Saturday Night LiveJason Sudeikis.

Fuente: LaRazón

Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , ,

lunes, 6 de junio de 2011

NOTICIAS LUNES 06 DE JUNIO DEL 2011

"Casa Asia Film Week se estrena con 30 películas y una retrospectiva de Ann Hui"

Europa Press | Barcelona


El festival Casa Asia Film Week (CAFW), que celebra su primera edición entre a partir de este lunes en los cines Girona de Barcelona, proyectará 30 películas de directores como Chao-Bin Su, Dante Lam y Li Yo, y dedicará una retrospectiva a la cineasta Ann Hui.
Tras la desaparición el año pasado del Festival de Cinema Asiàtic de Barcelona (BAFF), que llevaba 12 años realizándose, el CAFW toma el relevo para convertirse en un referente de la ciudad y difundir la cinematografía producida en el continente asiático.
Para ello, han programado un festival estructurado en dos partes: el 'Portal Asia' (entre este lunes y este miércoles en la Casa Asia), que contará con actividades culturales y proyecciones de documentales sobre cine español hecho en Asia; y el festival CAFW (entre este jueves y este domingo), con las proyecciones de las películas en los cines Girona.
Las cintas se dividirán en la Sección Oficial, en la que compiten 11 películas; la Sección Panorama, que recogerá las mejores producciones asiáticas de los últimos dos años, y la ya nombrada retrospectiva a Ann Hui, así como sesiones especiales que se concretan con el preestreno de la película china 'Confucio' -interpretada por Chow Yun-Fat y dirigida por Hu Mei- y la proyección en homenaje a Japón de la superproducción 'Space Battleship Yamato', de Takashi Yamakazi.
Otra de las propuestas que podrán verse son el cortometraje 'Miantiao (Abierto las 24 horas)', de Xavi Campreciós; el documental 'Cambodja, 30 anys esperant justícia', de Josep Vidal; las películas 'Reign of assassins', de Chao-Bin Su, y 'The stool pigeon', de Dante Lan, que inaugurarán y clausurarán el festival, respectivamente.

Fuente: ElMundo
URL del artículo: http://www.elmundo.es/elmundo/2011/06/06/barcelona/1307342456.html

"Tony Leblanc: «He trabajado hasta agotarme»"

Protagoniza «Los económicamente débiles»

AMILIBIA


La verdad es que Tony Leblanc (89 años recién cumplidos) no recuerda muchas cosas de la película «Los económicamente débiles», que rodó en 1960, dirigido por Pedro Lazaga. Y no es por la edad: es que han pasado muchos años y muchas películas por la vida de esta leyenda del cine y el teatro español cuya excepcionalidad alcanza hasta el hecho de haber nacido en el Museo del Prado. «Debería haber sido pintor», me dice. Recuerda, eso sí, que el principio de la película era muy bueno, «con mucho suspense, porque unos misteriosos señores, con pinta de gánsters, hablan de un tipo que va a venir a solucionarlo todo, y el que llega soy yo para entrenar al equipo de fútbol local».

-El equipo se llama Casa Mata y está en segunda regional. No sé si haría buen papel como entrenador de fútbol.
-Yo tampoco, pero me adapto. Soy el más veterano y polifacético actor de este país: soy músico, bailarín, actor, he bailado claqué, he boxeado, he jugado al fútbol, he dirigido revistas y cine, he hecho radio y mucha televisión, he sido promotor de boxeo, he escrito canciones, teatro...

De 1960 recuerda que él y su mujer, Isabel, se arruinaron al organizar dos campeonatos de Europa de boxeo en una misma velada. «Perdimos 780.000 pesetas; todo lo que teníamos ahorrado».

-El título, «Los económicamente débiles», parece que ni pintado para estos tiempos de crisis...
-Sí. Yo no hablo de política nunca. Empecé a trabajar en una dictadura y seguí trabajando en una democracia. He trabajado con todos y todos me han querido. No diré nunca si quiero más a la derecha o a la izquierda.

-Hablábamos de la crisis, Tony.
-Bueno, la crisis vino de América, como todos saben, y al venir de tan lejos, Zapatero no la reconoció al principio. Lo que me hace gracia es que ahora Rubalcaba dice que él lo va a arreglar todo. Coño, si llevas un montón de años de vicepresidente, ¿por qué no le has dicho antes al presidente cómo se arregla esto?
Los 60, 70 y 80 fueron para Tony una auténtica locura laboral. Me cuenta que precisamente en los 60 estaba haciendo en Barcelona, en el teatro, «Ven y ven al Eslava», con Concha Velasco. Dos funciones diarias. «Y cuando terminaba en el teatro me iba al cabaret Río a tocar la guitarra y contar cosas; entonces me surgió el rodaje de “La fiel infantería”, en Lérida. Así que todos los días me hacía 190 kilómetros me vestía de soldado, rodaba, y volvía a coger el coche  para llegar a tiempo al teatro. Los médicos decían que me estaba suicidando, y es que tomaba siete cafés solos y cargados todos los días, con siete cafiaspirinas, para no quedarme dormido; esto resume mi vida».

-Y así llegan luego los infartos...
-He sufrido dos, y antes fue el accidente. Me han hecho 39 operaciones. Y aguanto. Me llaman para hacer cosas, pero no me encuentro bien. Eso sí: no tengo ni una arruga en la cara. Los médicos no se creen lo mío. Cuando nací, no lloré hasta los tres días. Sonreía. Ahí está la clave. He trabajado como un tonto hasta el agotamiento, trabajé hasta el día de la muerte de mis padres, pero he sido muy feliz: he dado educación a mis ocho hijos e Isabel sigue a mi lado. No me quejo de nada.

-¿Tiene algo pendiente?
-Sólo repetir todo lo que he hecho regular, un 50 por ciento, para hacerlo mejor. Sólo eso.

Fuente: LaRazón

"Fassbender, el secreto mejor guardado de 'X-men'"

Su interpretación de Magneto lanza la carrera del actor

ROCÍO AYUSO - Los Ángeles


"Michael Fassbender es el nuevo Bond". Así lo afirma Matthew Vaughn, director de X-men: primera generación, sin importarle que el actor nacido en Alemania con sangre irlandesa y porte británico encarne bajo sus órdenes a un joven Magneto en la película sobre el origen de La Patrulla X. Vaughn conoce el carisma de un buen Bond: por algo trabajó con Daniel Craig antes de que le cayera 007. "Tengo suerte y soy perseverante", afirma el intérprete de 34 años, a la vez que se golpea el pecho entre modesto y luchador.
Por ahora Craig no tiene de qué temer pero es un buen momento para ser Fassbender. Hasta Hunger (2007), de Steve McQueen -filme inédito en España-, era un perfecto desconocido que había hecho todo tipo de trabajos y al que confundían con algún pariente perdido del realizador alemán Rainer W. Fassbinder. Sin embargo, en los últimos cinco años ha pasado de nuevo descubrimiento del cine indie a amigo de Quentin Tarantino (era el del bigote a lo Errol Flynn en Malditos bastardos), a aparecer en Centurión y Fish tank, y a formar parte del Hollywood de verano con el papel más sabroso de los X-men. Una carrera muy estilo Viggo Mortensen, poco conocido hasta que entró en el El señor de los anillos. El siguiente trabajo de Fassbender será Prometheus, la secuela / precuela de Alien de la que nadie quiere hablar y que le ha puesto bajo las órdenes de Ridley Scott. "No es que no te quiera contar. Es que me cortan la cabeza. El rodaje es una clase maestra, Scott es una leyenda y voy a formar parte de esa leyenda".
El británico no esconde que su primera pasión fue la música, pero ese talento nunca acompañó a este hijo de un chef alemán y de madre irlandesa. "No sobresalía en nada. Soy lento leyendo, me gusta la arquitectura aunque fracasé en los exámenes técnicos y pensé en ser corresponsal de guerra". La oportunidad llegó con Hunger y su encarnación del preso del IRA Bobby Sands durante la huelga de hambre de 1981. Y de ahí a Hollywood. "Pillé el momento adecuado porque tal y como está la industria es un acto de fe contratar a un desconocido para un papel protagonista". Por muchas flores que le eche ahora, Matthew Vaughn tuvo sus dudas y sometió a Fassbender a una prueba de rodaje. "Lo que mejor funciona es ir lo más relajado posible. Y saber respirar", aconseja. Fichado.
Fassbender sigue fiel al realizador británico Steve McQueen, y repetirá con él en Shame. "Cambió mi vida con Hunger y por Steve estoy dispuesto a hacer lo que sea. Es un genio". Ahora sufre en sus carnes la fama y la persecución de los paparazis porque sale con la hija de Lenny Kravitz y Lisa Bonet, Zoe Kravitz, compañera de reparto en X-men. "No me acosan tanto. Yo no cuento con ese tipo de admiración. Eso lo dejo para Brad Pitt o Robert Pattinson. Por suerte los que me buscan son los grandes realizadores y con eso me doy por más que satisfecho".

Fuente: ElPaís
URL del artículo: http://www.elpais.com/articulo/cine/Fassbender/secreto/mejor/guardado/X-men/elpepuculcin/20110603elpepicin_11/Tes

"Bogart, ese inextinguible planeta"

CARLOS BOYERO


Sabiendo de mi amor incondicional a un actor, personaje, símbolo, aroma, estilo o lo que fuera aquella personalidad irrepetible que respondía al nombre de Humphrey Bogart, me regalan la última biografía que ha aparecido sobre ese justificado mito. La firma Stefan Kanter y la consumo de un tirón entre un viaje de ida y vuelta en el tren, en ese ambiente tan ancestralmente adecuado para el placer de leer, rodeado de gente que teclea incansablemente en sus ordenadores, que al parecer compagina con desarmante naturalidad los viajes con el trabajo, sin tiempo ni ganas para algo tan superfluo como observar el paisaje o las musarañas. Pero la narrativa que utiliza Stefan Kanter no está ni de lejos a la altura estética del biografiado. Posee un tono tan correcto como académico. Tampoco desvela cosas nuevas sobre ese príncipe del existencialismo. Describe con estilo monótono y tibio las luces y sombras de un individuo demasiado complejo. Tira de archivo, recurre a la socorrida hemeroteca al haber desaparecido casi toda la gente que trató a Bogart, todo suena a ya visto, leído y oído para cualquier iniciado en la fascinación hacia aquella personalidad singular, hacia un hombre que se despide de este mundo a los 57 años, una edad milagrosa para alguien umbilical y vocacionalmente unido desde la adolescencia a una copa en la mano y un cigarrillo en la boca. Y por supuesto, también fumaba y bebía con infinita clase, haciendo un arte de gestos tan repetidos y aparentemente triviales.El esplendor del chulo con causa más hipnótico, duro, inquietante y conmovedor de la historia del cine (y no me olvido de los sublimes Cagney y Robinson, que aún eran más pequeñitos y feos que Bogart) ocurre en la década de los cuarenta, pero será renovable en cualquier época, algo que jamás perderá el encanto para el paladar cinéfilo de generaciones que no habían nacido cuando este hombre la palmó. Tuvo la fortuna de que escribieran para él diálogos prodigiosos, de que el mejor blanco y negro se enamorara perdurablemente de su machacado y expresivo rostro, de que algunos de los mejores directores que ha dado el cine le consideraran el transmisor ideal de su universo, de que los personajes más atractivos, arrogantes, dignos, turbios, mordaces, amargos, bordes, individualistas, torturados, complejos y sombríos se sintieran felices de que Bogart se metiera en su piel y en sus emociones sin renunciar a ser él mismo, otorgándoles profundidad, ritmo, matices y verdad. Pero incluso cuando interpreta a caricaturas, cuando le obligan a repetir y habitar frases y lugares comunes, los guiones son tópicos o enfáticos, desvaída la intriga y todo huele a decorado, siempre existe un momento en el que este tipo te ofrece algo auténtico y que merece la pena. Verle y escucharle siempre justifica el precio de la entrada. Es más que un actor, es un género, una forma de ser y de estar, de andar por la vida, de resistencia, de permanente mosqueo ante la autoridad.
Cuentan que en la vida real podía ser tan querible como insoportable, que más de una vez le partieron la cara con razón, que empezó tirandose el rollo contra los cazadores de brujas pero que reculó a toda prisa declarando que los subversivos solo habían querido manipularle y utilizarle cuando vio las orejas del lobo, que los grandes estudios podían enviarle al destierro. Cuentan que era muy lúcida la paradójica descripción que hizo de su reverso tenebroso y de su alcoholismo el hostelero Dave Chasen: "Bogie es un tipo encantador hasta las once y media de la noche. A partir de ahí no le aguanta ni Dios. Se cree que es Humphrey Bogart". Cuentan que Billy Wilder le espetó durante el problemático rodaje de Sabrina: "Examino tu fea cara, Bogie. Miro los valles, las grietas y los hoyos de tu fea cara, y sé que en alguna parte bajo esa asquerosa cara de mierda... Hay mierda". Cuentan que dividía al género humano entre "profesionales" y "vagos", y que respetaba tanto a los primeros como despreciaba a los segundos. Cuentan que despertaba tantos amores como odios. Cuentan que después de una existencia abrupta, de una relación complicada con la vida, fue razonablemente feliz con Lauren Bacall, sus amigos y su barco.
A mí, Bogart me parece una de las cosas más hermosas que le han ocurrido al cine. Mi ya difunto amigo Manolo Marinero escribió un penetrante, lírico, maravilloso libro sobre Bogart. También hablaba con lenguaje y sentimiento imperecederos de las personas y las cosas, la esencia del cine, la gente fronteriza, aquellos cuyo camino jamás fue protegido por una estrella, de sí mismo. Me urge releerlo. Y vover a ver en programa doble Casablanca y En un lugar solitario.

Fuente: ElPaís
URL del artículo: http://www.elpais.com/articulo/cine/Bogart/inextinguible/planeta/elpepucin/20110603elpepicin_3/Tes

"La resaca más descomunal de la historia"

'Resacón en Las Vegas 2: Ahora en Tailandia' revienta la taquilla en medio mundo

TONI GARCÍA - Barcelona


Ni los varapalos de la crítica, ni la denuncia del tatuador de Mike Thyson que por unos días (eternos) tuvo en vilo a Warner Bros. Ni siquiera el pesimismo de algunos analistas ha podido suavizar la resaca más grande de la historia: 95 millones de euros en cinco días a nivel local y más de 140 en todo el mundo.
Esos son los números de Resacón en Las Vegas 2: Ahora en Tailandia, que ha reventado la taquilla estadounidense sin ningún tipo de complejo repitiendo (al dedillo) la misma formula que tan bien le funcionó en 2009 y que la convirtió en carne de secuela instantánea.
Esta vez Todd Philips, el director, y el reparto en pleno, se van a repartir un pastel que va desde el 10% de la taquilla en el caso del realizador al 4% de la misma para los actores. Son los números de la comedia más gigantesca de la historia del cine estadounidense, teniendo además en cuenta que la película estaba calificada como Restricted (Restringida) lo que la aleja de parte de su público potencial (los adolescentes).
Resacón 2 explota el mismo filón abierto por su hermana mayor: un grupo de cafres en una despedida de soltero que se cuenta como un episodio de amnesia colectiva en la que los protagonistas van añadiendo piezas a un puzzle borroso, aderezado -por supuesto- con un tutiplén de drogas y alcohol. Esta vez los chalados favoritos de América se van a Tailandia y la celebración (aunque no tenga tigres, bebés o a Mike Tyson) se complica aún más que en Las Vegas.
No hay mucho más en el pastel, solamente la formula verborreica e (híper)acelerada que tan buenos resultados les dio en el original. La crítica se ha aburrido horrores con la propuesta pero al público -ya se sabe- le ha dado igual y Warner (que había puesto más dinero en el asunto, entre otras cosas para una avasalladora campaña de marketing) ya ha anunciado una tercera entrega que los rumores apuntan se rodará en Amsterdam, una ciudad que -a priori- se presta a una juerga en condiciones.
Por el camino se ha perdido la deliciosa frescura de la propuesta primigenia, una comedia de epílogo genial que reinventaba el género sin complejos. Ahora -eso sí- nace una franquicia millonaria que amenaza con regalarnos más resaca de la humanamente aconsejable. Y eso sin ni siquiera haber bebido.

Fuente: ElPaís
URL del artículo: http://www.elpais.com/articulo/cultura/resaca/descomunal/historia/elpepucul/20110603elpepucul_4/Tes

"Cine de vanguardia desde la periferia"

Una antigua cárcel de A Coruña acoge la (S8) Mostra de Cine Periférico

SARA BRITO Madrid


Haciéndose a un lado del ruido del centro, uno puede girar la mirada a la periferia y encontrarse que allí la vida no para de crecer. El cine tampoco. A las afueras de las películas más convencionales, de la industria, de los formatos en uso y de la manera habitual de contar y ver historias, una multitud de artistas cultivan un cine nuevo. Alejados del cine comercial, que tiene como último símbolo al ‘Avatar', de James Cameron, los hay que prefieren mirar a los orígenes del cine para crear. O los que quieren hacer de la proyección una performance activa y extender así las fronteras de lo que es y puede ser una película. Ambas cosas hace la cineasta Zoe Beloff con sus películas en 3-D artesanal, en las que convoca el ilusionismo del cine y ejecuta sesiones de cine performance, que la convierten en una suerte de médium del cinematógrafo.
La artista escocesa afincada en Nueva York está convocando estos días a los fantasmas del cine primitivo en la (S8) Mostra de Cine Periférico, que se celebra desde el jueves 2 de junio en otro lugar al margen: una antigua cárcel provincial en A Coruña. Allí la artista, colaboradora de John Cage entre otros, comparte espacio entre rejas con otros mitos del cine de vanguardia americano, como Nathaniel Dorsky y Phil Solomon, otros dos exploradores de viejos formatos y de una cierta espiritualidad cinematográfica. De hecho, los tres forman parte de un ciclo que bajo el nombre de ‘El cielo en la Tierra' estará también en la Casa Encendida de Madrid para enseñarnos un cine que explora la inmaterialidad y el misterio a través del celuloide.

Fuente: Público
Más en URL del artículo: http://www.publico.es/culturas/380190/cine-de-vanguardia-desde-la-periferia
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , ,

viernes, 3 de junio de 2011

NOTICIAS VIERNES 03 DE JUNIO DEL 2011

"¿Quién puede engañar a Keira?"



O sea: ¿que tienes desde hace tres meses una compañera de trabajo que es un bellezón como Eva Mendes y no me has dicho nada? ¿Y además sois amiguísimos? Ésas son las preguntas de Keira Knightley a su maridito en la ficción (Sam Worthington) que disparan la trama de 'Sólo una noche', el drama romántico manhattaniano y atormentado de este verano (estreno en España, el 23 de junio).
Y la verdad: piensa mal y acertarás. Lo de Eva Mendes y Worthington es algo más que compañerismo. Otra cosa es que Keira tampoco sea boba. En ausencia de su marido, un antiguo amor (el francés Guillaume Canet) aparece por Nueva York, bastante encantador, le invita a cenar y... En fin.
Qué poca formalidad. Y eso que la directora de la película es la iraní Massy Tadjedin, debutante en el oficio. Hasta ahora, a Tadjedin se la conocía por ser la guionista de 'The jacket', también con Keira Knightley de protagonista.

Fuente: ElMundo y Youtube

"Todos somos árboles"

GONZALO DE PEDRO




‘Todos vós sodes capitáns'
DIRECTOR: Oliver Laxe
GÉNERO: documental / ficción
NACIONALIDAD: españa
REPARTO: France Aline, Hicham Amidallah, Mohamed Bablouh
DURACIÓN: 79 minutos
EN SÍNTESIS
Un cineasta español llega a Tánger como profesor de cine de un grupo de chavales con problemas. El roce con ellos desembocará en su expulsión y la toma del control de la película por los chavales.
COMENTARIO
Dinamitando, por fin, la dichosa frontera entre documental y ficción, ‘Todos vós sodes capitáns' es una película construida con el mimo y la libertad de quien nada en aguas en las que no hace pie. Ni compasiva ni indulgente, ni colonialista ni con mala conciencia, es más una película sobre la necesidad de hacer películas que sobre un grupo de niños con una cámara. En el fondo, es un canto a la belleza de lo esencial y una invitación a viajar y limpiar la mirada.
PIRATAS CON PODER
Producida con lo puesto y una cámara de 35 mm prestada, el primer largo de Oliver Laxe se alzó con el premio de la crítica en el Festival de Cannes 2010. Que haya tardado un año en llegar, mal, a nuestras pantallas, debería avergonzarnos. ¿La culpa es también de la piratería?

Fuente: Público y Youtube
URL del artículo: http://www.publico.es/culturas/379943/todos-somos-arboles

"Contra Milton Friedman"

CARLOS PRIETO


'La doctrina del shock'

DIRECTOR: Michael Winterbottom, Mat Whitecross
GÉNERO: documental
NACIONALIDAD: reino unido
DURACIÓN: 79 minutos
EN SÍNTESIS
Basada en el ensayo de Naomi Klein, ‘La doctrina del shock' ilustra con imágenes el capitalismo del desastre. O cómo las élites económicas usan los periodos de crisis económica, guerras y desastres naturales para imponer el libre mercado.
COMENTARIO
Michael Winterbottom se sumerge en las cloacas de la doctrina neoliberal. Desde su creación a principios de los setenta impulsado por los Chicago Boys del economista Milton Friedman, a su posterior extensión por las dictaduras militares latinoamericanas de Pinochet y compañía. Y de ahí al resto del mundo. Dice Winterbottom que ‘La doctrina del shock' es una "historia alternativa de los últimos 30 años". Y tiene razón: su tesis refuta la oficial. Cree que la agenda neoliberal se ha impuesto a palos aprovechando las crisis sociales. Y la evolución de la actual recesión económica, no cubierta en el filme, parece darle la razón. Entre furioso, contundente y televisivo.

Fuente: Público y Youtube
URL del artículo: http://www.publico.es/culturas/379946/contra-milton-friedman

"Héroes bajo presión"

EULÁLIA IGLESIAS



'X-Men: Primera generación'

DIRECTOR: Matthew Vaughn
GÉNERO: Fantástico
NACIONALIDAD: eeuu
REPARTO: James McAvoy, kevin bacon, Michael Fassbender
DURACIÓN: 132 minutos 
EN SÍNTESIS
La habilidad para atraer objetos metálicos del pequeño Erik Lehnsherr fascina al médico del campo de concentración donde está encerrado. Erik no podrá olvidar esta experiencia como víctima de los nazis, ni tan siquiera cuando conozca a Charles Xavier, que también posee un extraño don y no tarda en convertirse en su mejor amigo. Ambos fundan una escuela para jóvenes mutantes, pero sus opiniones divergentes los acabarán distanciando.
COMENTARIO
Cuando la franquicia cinematográfica de la Patrulla X parecía más que desinflada, sus productores han recurrido de nuevo a Bryan Singer, responsable de las dos primeras entregas, para que desde su tarea de productor y coguionista rejuveneciera la serie. Apuesta ganadora: la precuela de ‘X-Men', dirigida por Matthew Vaughn se encuentra entre lo mejor de la saga. El regreso a los orígenes del profesor Xavier y Magneto nos sitúa en un contexto de guerra fría que permite explotar una trama de acción, con amenaza de tercera guerra mundial incluida, a la altura de los mejores 007. Eficaz en su explotación del género y atractiva en su recreación del estilo de los sesenta, ‘Primera generación' destaca sobre todo por otorgar densidad a sus protagonistas. Como dejó patente M. Night Shyamalan en ‘El protegido', un superhéroe no es nadie sin su némesis. Los creadores de esta precuela aplican la misma lección: aunque en apariencia el protagonismo esté repartido entre Xavier y Magneto, la espina dorsal dramática de ‘Primera generación' la constituye la trayectoria de este último, desde su infancia en un campo de concentración hasta su paso al lado oscuro de los mutantes. Mientras que el profesor Xavier se reafirma como el Pep Guardiola del X-Team, un carismático entrenador de talentos en bruto que él encauza por el bien de la humanidad, Erik va mutando en uno de los villanos más interesantes que ha dado el cine de superhéroes. Personaje de índole trágica, incapaz de olvidar ni perdonar ("la paz nunca ha sido una opción", sentencia), Erik ejerce de maldito bastardo vengador (el actor Michael Fassbender era, además, uno de los protagonistas de la película de Tarantino) e identifica la marginación de los mutantes con la que sufrió el pueblo judío. Pero su sed de venganza le lleva a parecerse a su torturador, en una ambigua relación como la que se desarrollaba en ‘Verano de corrupción', también de Singer. ¿Quién dijo que la ficción de superhéroes no podía plantear apasionantes paradojas morales?
EL TOQUE 'BRITISH'
Qué bien le sienta el toque británico a ‘X-Men'. No sólo por el director, Matthew Vaughn, que se dio conocer con la remarcable ‘Layer Cake' pero le debe la fama a ‘Kick-Ass'. Sobre todo por los dos actores principales: el escocés James McAboy, visto en ‘Expiación', le otorga ese aire de caballeroso seductor al Profesor X, y el germano-irlandés Michael Fassbender, que magnetiza la pantalla con su presencia sin necesidad de poderes mutantes.

Fuente: Público y Youtube
URL del artículo: http://www.publico.es/culturas/379941/heroes-bajo-presion
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: ,

jueves, 2 de junio de 2011

NOTICIAS JUEVES 02 DE JUNIO DEL 2011

"La película de los Hermanos Musulmanes"

Efe | El Cairo

Con una película y una telenovela sobre el fundador de los Hermanos Musulmanes, Hasan al Bana, el grupo islámico ha decidido irrumpir en el mundo del cine y de la televisión en Egipto, en señal de que no están en contra del arte y de que, si llegan al poder, no cerrarán ni los cines ni los teatros.
"Después de la Revolución del 25 de enero es normal que algunos miembros de los Hermanos Musulmanes muestren su creatividad. La familia de Al Bana quería hacer una obra sobre su persona pero hubo obstáculos. Ahora con el ambiente de libertad es posible", ha expresado uno de los dirigentes de la organización Mohsen Radi.
En un acto celebrado en un hotel de El Cairo y en presencia de los hijos de Al Bana y dirigentes de los Hermanos Musulmanes, la compañía kuwaití Al Maha ha anunciado ante la prensa la producción de ambas obras artísticas. Con esto, los Hermanos, que son la mayor fuerza opositora en Egipto y han empezado a jugar un papel importante en la política de este país, quieren probar que son modernos y que no están en contra del arte.
Nacido en 1906 y asesinado en 1949, Al Bana creó la organización islámica en 1928, que más tarde fue ilegalizada en 1954 por el régimen de Gamal Abdel Naser. "Los Hermanos consideran el cine, el teatro y todo lo relacionado con el arte y la creatividad como uno de los factores importantes para el avance de la sociedad y es imposible ignorarlos", ha manifestado Radi.
Este dirigente islámico, que ha coordinado el trabajo entre la compañía productora y la familia de Al Bana para que estas obras salgan a la luz, insiste en que, si los Hermanos Musulmanes llegan al poder en Egipto "dejarán el arte libre" y no cerrarán ni los cines ni los teatros. "La censura será la que pone la Constitución", añadió Radi, quien puntualizó que en ningún caso sería religiosa.
Además, aseguran que sus futuras obras artísticas no serán sólo islámicas sino también sociales, culturales, políticas e históricas, y contarán con actores famosos. Así, quien encarna a Al Bana es el actor sirio Rachid Asaf quien reconoció a los periodistas que actuará "en medio de una situación crítica por la que atraviesa Egipto y el mundo árabe". "Es importante centrarse en el islam moderado porque Occidente insiste en presentar una imagen deformada del islam", señaló Asaf.
Este protagonista actuará con estrellas egipcias en la película, cuyo estreno está previsto para finales del 2011, y en la telenovela que el público podrá ver en el mes musulmán del Ramadán del próximo año. Según Ahmed al Bana, lo que distinguirá el nuevo arte de los Hermanos Musulmanes, que asegura que son "modernos y no son cerrados", es que respetará las valores de la sociedad.

Fuente: ElMundo

"'Hanna', a ritmo de The Chemical Brothers"

Por: Álvaro P. Ruiz de Elvira


Hanna podría haber sido la película que Danny Boyle hubiese hecho después de Slumdog Millionaire, pero al final solo participó en el embrión del guión y se pasó al rodaje de 127 horas. También podría haber sido la primera película de Alfonso Cuarón desde Hijos de los hombres, pero todo quedó en rumores y el director mexicano se centró en la escritura (junto a Rodrigo García) de Gravity, película que está ahora rodando con George Clooney y Sandra Bullock sobre un astronauta, único superviviente de un accidente en el espacio, que intenta volver a la tierra. Así que al final la película la ha dirigido Joe Wright, el director de Expiación y El solista.
Una niña de 16 años, Hanna (Saoirse Ronan, la protagonista de The lovely bones) es criada por su padre (Eric Bana) en medio de un bosque cerca del círculo polar ártico. Le enseña todo tipo de técnicas de caza, combate y supervivencia. Algo que le será muy útil cuando sea capturada por una cruel agente secreta (Cate Blanchett)...
Siguiendo la moda de contratar a músicos electrónicos para las bandas sonoras (Trent Rezor en La red social o Daft Punk en Tron), la atronadora música de Hanna está compuesta por The Chemical Brothers...
En Versión Muy Orginal os adelantamos en primicia una escena de la película:

(Video en URL del artículo: http://blogs.elpais.com/version-muy-original/2011/06/hanna.html#more)

Fuente: ElPaís

"Las cenizas del cine iluminan su futuro"

Arranca la Mostra de Cinema Periférico (S8) con la proyección de 'Metrópolis'.- El certamen reivindica los viejos formatos y el cine de vanguardia

ELSA FERNÁNDEZ-SANTOS - Madrid


Viejas celdas convertidas en salas de proyección y viejas cámaras domésticas de Super 8 sobre la atalaya de unos valores que parecen perdidos: el cine como creación artesana, el cine como arte popular, el cine como puerta a cualquier sueño, el cine y sus materiales como fuente de inspiración de esos sueños... La Mostra de Cinema Periférico (S8), que se celebra por segundo año en la antigua cárcel provincial de A Coruña, del 2 al 5 de junio, es una llamada de atención a esa polarización que vive la industria cinematográfica. Ellos se sitúan en el extremo de lo pequeño, de lo mínimo que aspira a un tipo de grandeza que nada tiene que ver ni con academias, taquillas, premios o suma de cifras.
Hoy, para que nadie dude de cual es la madre de todo esto, se exhibirá por primera vez en España una copia restaurada e íntegra de Metrópolis, de 1927, una de las obras maestras de Fritz Lang. La copia que se verá en el teatro Colón de A Coruña incluye tres bobinas que fueron recuperadas en 2008 en Buenos Aires. Contará, además, con la interpretación íntegra de la partitura original a cargo de la Orquesta Sinfónica Ciudad de Pontevedra.
La Mostra de Cinema Periférico (S8) reunió hace un año a cerca de 8.000 personas en tres días. En esta edición, además de talleres, clases y charlas, se rescatará desde material inédito grabado en 1896 por una familia del País Vasco a un ciclo con las obras de Rober Beavers, Phil Solomon, Nathaniel Dorsky o Zoe Belfo, cineastas de vanguardia que, con la colaboración del Centro Galego de Artes da Imaxe (CGAI) y la Casa Encendida, demostrarán porque el (S8) ha elegido para su vídeo promocional un curioso lema: En el cine, como el cerdo, se puede aprovechar todo.

Fuente: ElPaís
URL del artículo: http://www.elpais.com/articulo/cultura/cenizas/cine/iluminan/futuro/elpepucul/20110601elpepucul_4/Tes

Jodie Foster: "No hay mejor director que un actor"

La actriz, ahora directora, presenta su 'El castor', película protagonizada por Mel Gibson

ROCÍO AYUSO - Los Ángeles


De escándalos sabe un rato. Y de cómo mantener la calma y la boca cerrada cuando se te echan encima. Fue una de las primeras lecciones que aprendió Jodie Foster en su precoz carrera, cuando su nombre se vio mezclado de manera fortuita en el intento de asesinato contra el entonces presidente Ronald Reagan en 1981. Veinte años más tarde la estrella de Taxi driver, cuatro veces candidata al Oscar y ganadora de sendas estatuillas con El silencio de los corderos y Acusada vuelve a vivir en medio del escándalo: la actriz más respetada de Hollywood, modelo de las nuevas generaciones, aparece unida en la pantalla a la figura más repudiada de la industria, Mel Gibson. Y de manera voluntaria. Una mezcla del ying y el yang que se titula El castor, estrenada el pasado viernes en España, y que le da a Gibson, el intérprete al que nadie quiere contratar, el mejor papel en años, el de un hombre en plena crisis incapaz de comunicarse con el mundo que le rodea. Esa es la premisa del nuevo trabajo de Foster, a sus 48 años directora, actriz y la mejor amiga que uno puede tener en Hollywood.

(Entrevista en URL del artículo: http://www.elpais.com/articulo/cultura/Jodie/Foster/hay/mejor/director/actor/elpepucul/20110602elpepucul_2/Tes)

Fuente: ElPaís

"Charla en Directo con el crítico Carlos Boyero sobre cine, literatura y todo lo imaginable"


Hoy, de 13:00 a 14:00h podrán hacerle preguntas a Carlos Boyero sobre cine y literatura en la siguiente URL: http://www.elpais.com/edigitales/entrevista.html?encuentro=8126; y él contestará a todas y cada una de las preguntas en esa misma URL.

Fuente: ElPaís

"Muere la actriz Clarice Taylor a los 93 años"

La actriz Clarice Taylor, que daba vida a la madre de Cosby en 'El Show de Bill Cosby', ha fallecido en Nueva York a los 93 años

PÚBLICO.ES



La actriz Clarice Taylor, famosa por interpretar a la madre de Bill Cosby en el Show de Bill Cosby, ha fallecido a los 93 años como consecuencia de un fallo cardíaco según informa la revista People.
Taylor, nominada a un Emmy en 1986, murió el pasado 30 de mayo en Nueva York rodeada de sus dos hijos, William y James, y sus cinco nietos.
Anna Huxtable fue el personaje más conocido de Taylor, pero no el único, dado que también fue Harriet en la versión estadounidense de Barrio Sésamo.  Sin embargo, Taylor dilató su carrera durante cinco décadas, actuando tanto en televisión y cine como en radio y teatro.

(Ver video en URL del artículo: http://www.publico.es/televisionygente/379742/muere-la-actriz-clarice-taylor-a-los-93-anos)

Fuente: Público

"Primer aperitivo del remake de Millenium"

Sony ofrece el primer trailer de la versión hollywoodiense de 'Los hombres que no amaban a las mujeres'

PÚBLICO.ES

Ante las filtraciones del primer aperitivo del remake hollywoodiense de Los hombres que no amaban a las mujeres, Sony ha decidido presentar el tráiler de la película protagonizada por Rooney Mara en el papel de la hacker informática Lisbeth Salander, que ya trabajó con el director David Fincher (que dirige la cinta) en La Red Social, y por el actual James Bond, Daniel Craig, que cambia radicalmente de registro para encarnar al periodista e investigador Mikael Blomkvist.
El minuto y medio de avance muestra rápidas secuencias de la película, en las que se pueden observar a los actores que darán vida a los personajes de la novela. Además, llega ambientado con música del grupo Led Zeppelin. 
Basada en la primera novela de la trilogía Millennium, del desaparecido escritor sueco Stieg Larsson, esta nueva versión a lo hollywoodiense cuenta la historia de la familia Vagner y la investigación de la desaparición de uno de sus miembros, Harriet Vagner, en extrañas circunstancias hace 40 años. La misma historia de asesinatos, investigaciones e intrigas familiares pero con más presupuesto que la película sueca original estrenada en 2009, bajo la dirección de Niels Arden Oplev y protagonizada por la actriz sueca Noomi Rapace.
La película no se estrenará en los cines estadounidenses hasta el próximo 21 de diciembre con las vistas puestas en conseguir, cuanto menos, la misma respuesta del público que ya consiguió en sus momentos la saga de libros, que se convirtió en uno de los mayores best-sellers globales y que a día de hoy ha vendido 50 millones de ejemplares en 46 países.
El director de la primera de las películas que adapta la saga Milleum de Stieg Larsson Los hombres que no amaban a las mujeres, el sueco Neils Arden Oplev, ha cuestionado la necesidad de una nueva versión como la que proyecta Hollywood de su filme.
Pero la polémica no se ha quedado al margen del asunto, pues Oplev hizo púbicas en el portal de World & Film su opinión sobre la necesidad de hacer un remake de la película. En sus críticas comparó el proyecto con la nada exitosa adaptación de la película francesa La Femme Nikita, con Bridget Fonda como protagonista. "Hasta en Hollywood hay cierta irritación por ese remake. ¿Qué necesidad existe de una nueva versión (en inglés) de algo cuando puede verse el original?", se pregunta Oplev. Y más cuando su film fue récord de recaudación en la taquilla escandinava con más de 16 millones de dólares (11,5 millones de euros).
El estreno en España está previsto para el 13 de enero del 2010.

(Ver Trailer en URL del artículo: http://www.publico.es/culturas/379731/primer-aperitivo-del-remake-de-millenium)

Fuente: Público

"Desmontando a Bogart"

Su imagen de tipo duro cautivó a los mejores directores de Hollywood, y sus personajes se convirtieron en un género cinematográfico en sí mismo. Sin embargo, Bogart era detrás de la gran pantalla un hombre muy alejado del héroe que conocemos.

Madrid - Laura Seoane


Cuando Raymond Chandler imaginó a Philip Marlowe diciendo «tranquílicese, no abofeteo muy bien a estas horas de la noche», tenía en mente a un hombre como él. «Bogart no necesita una pistola para parecer un tipo duro», aseguró el escritor al enterarse de que encarnaría a su detective en la adaptación de «El sueño eterno». La magnífica maquinaria publicitaria de la época dorada de Hollywood estaba en marcha y dispuesta a dejar en herencia al imaginario colectivo una ristra de leyendas que aumentaban, si cabe, el atractivo de sus protagonistas.
El público, deseoso de experimentar el sueño americano aunque fuera en carne ajena, consumía con fruición toda clase de anécdotas en las que la verdad importaba mucho menos que el morbo. Bogie, como lo llamaban sus amigos, no escapó a esta mitificación, y nunca pudo estar a la altura de la imagen del hombre duro, frío, serio y arrogante, aunque bondadoso en el fondo, que construyeron para él. Kanfer, que trabajó durante 20 años como crítico de cine de la revista «Time», desmonta en «Bogart» muchas leyendas que formaron la aureola de héroe con la que se le recuerda. La famosa cicatriz de su labio superior es un ejemplo: los publicistas de la época difundieron la versión de que los disparos de un submarino impactaron en su rostro mientras pilotaba un barco. En realidad, le encargaron vigilar a un preso durante un trayecto en tren y, al ofrecerle fuego para fumar, le golpeó con las esposas y escapó.
Su supuesta profesionalidad también queda en tela de juicio. De carácter inestable, Bogart no sólo se dedicaba a beber durante las noches: en una obra en Broadway «apareció en escena con los ojos vidriosos y oliendo a alcohol; intentó recordar sus diálogos, pero tenía la mente en blanco y se apoyó contra la pared para recobrar la serenidad. Su compañera se vio obligada a improvisar un monólogo», cuenta el biógrafo.
Traición a sus amigos
Su actuación durante la «caza de brujas» del senador McCarthy se pareció poco a la del defensor de la libertad que caracterizaba al Rick de «Casablanca». En un principio se unió a otros actores para protestar en Washington por las investigaciones que el Comité de Actividades Antiamericanas hacía en Hollywood, pero, tras recibir presiones, acabó por desligarse de este movimiento. Precisamente fue Paul Henreid (que encarnó a Victor Laszlo en «Casablanca») el que explicó la «traición» de Bogart: «Intentó retractarse de lo que había dicho y hecho. “No sabía que la gente con la que estaba simpatizaba con el comunismo”, dijo a los periodistas. Me pareció una forma de traición y supuso el fin de nuestra amistad», aseguró Henreid.
Kanfer también se ocupa de la vida sentimental del actor, marcada por relaciones turbulentas con sus primeras tres esposas, hasta que encontró la calma con Lauren Bacall. No se detiene el autor en detalles sórdidos, aunque tampoco encontraremos en «Bogart» una literatura más compleja que la del propio lenguaje periodístico. El autor analiza al personaje desde tres puntos de vista: la crítica de cine, el desarrollo de la edad dorada de Hollywood y el contexto histórico marcado por dos guerras mundiales. La documentación, profusa y contrastada, destaca por la inclusión de textos de la época. Sin embargo, las anécdotas triviales se intercalan con los acontecimientos importantes de su vida y de la de la sociedad de su tiempo de forma algo desequilibrada. Quizá Bogart no sea simplemente un tipo duro detrás de una perenne bocanada de humo, pero, desde luego, es algo más que un vago traidor borracho y mujeriego.
Sobre el autor. Ex crítico de cine de la revista «Time», donde trabajó durante 20 años, Stefan Kanfer es también autor de las biografías de Lucille Ball y Marlon Brando. Continúa colaborando con prestigiosas revistas de cine. Ideal para...: cinéfilos apasionados de la vida de los protagonistas de la edad de oro de Hollywood, en la que Bogart tuvo un papel destacado con su esposa, Lauren Bacall, junto a los amigos de la pareja. Además, aporta una perspectiva muy amplia del desarrollo histórico tanto en Hollywood como en el mundo durante esta época. Un defecto: El estilo, excesivamente plano, desaprovecha el potencial de una personalidad como la de Bogart, repleta de luces y sombras, que podría haber dado lugar a un texto más lírico. Una virtud: La cantidad de datos y anécdotas que incluye la narración, además de su calidad documental contrastada gracias a la cita de autores y bibliografía.

Fuente: LaRazón
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , ,

miércoles, 1 de junio de 2011

NOTICIAS MIERCOLES 01 DE JUNIO DEL 2011

"Una ventana al Bollywood 'indie'"

Álvaro Argote | Madrid

Bollywood, cuantitativamente puntero en producciones cinematográficas, es mucho más que el tópico de coloridas películas musicales, llenas de coreografías y con multitud de plagios. En España, el principal escaparate de la industria india es el Festival de Cine Imagine India, que desde este año celebra su décima edición.
La invitada de honor es Nandita Das, una de las actrices más conocidas de la India, protagonista de películas como 'Fuego' y 'Tierra', de la realizadora indo-candiense Deepa Mehta. "Mi primera película fue 'Fuego. Cuando la directora me ofreció el papel, no lo dudé un instante, aunque nunca antes había pensado en dedicarme a la interpretación". En este viaje le toca promocionar 'Firaaq', que ella misma ha escrito y dirigido y que le sirvió para arrasar el año pasado en Imagine India con tres 'Chakras de Oro'. Su 'ópera prima', además, le hizo acreedora de la medalla de las Artes y las Letras del gobierno francés.
La actriz iba para socióloga y se formó en la universidad de Delhi convencida de dedicar su vida al progreso sociocultural de su país. De aquellos años ha herededado su interés en la lucha diaria de la mujer para ocupar un lugar digno en la sociedad india. "En mis papeles exploro el progreso de la mujer en la India dentro de la sociedad moderna", y enfatiza especialmente el caso de 'Tierra' y 'Fuego', donde "hay duras historias de desarraigo cultural con toques de realismo mágico".
El cine indio no cuenta con muchos realizadores críticos ante la propia cultura y, menos aún, con los que pretenden asimilar culturas ajenas. En este último minigrupo se sitúa la directora Deepa Metha que lo ha conseguido, aunque rara vez con el apoyo económico e ideológico de las productoras de su país. Y es que el cine independiente en Bollywood no triunfa. "Los productores han suspendido rodajes más de una vez por los altos costes porque saben que este cine, fuera del 'mainstream', cuesta promocionarlo y venderlo en la India". En la otra meca mundial del cine, las películas comprometidas "no tienen cabida, comercialmente hablando porque se prefieren las altas producciones".
Muchos 'taquillazos' internacionales son víctima de copias en Bollywood. La industria india del cine, con más de 1.000 películas al año, no duda en usar personajes, secuencias y argumentos que la mayoría de las veces no se diferencian ni en la letra que separa a Bollywood de Hollywood. La actriz lamenta esta falta de imaginación y pide honestidad en su profesión: "Hay que respetar la esencia del cine y los proyectos originales de los directores".
Hace un año, Nandita Das rechazó un papel en la adaptación cinematográfica de 'Hijos de la medianoche', escrita por Salman Rushdie, y dirigida, de nuevo, por Deepa Metha. "Dije no". Había nacido su primer hijo, al que por "necesidad biológica no podía dejar solo ni un instante".
En la sección principal del certamen, dedicada a largometrajes, participan ocho películas que demuestran una considerable variedad de géneros y puntos de vista de directores de origen diverso: India, Italia, Inglaterra, Alemania y Australia. Filmes de Phillip Noyce, Rakesh Mehta, Kim Longinotto, Jeon Kyu Hwan son algunas de las presentadas en el festival. Todas ellas, con un gran compromiso social e ideológico y, sobre todo, con el reto de abrirse al exterior.

Fuente: ElMundo

"De Culkin a Clara Lago: así crecen los actores"

Miguel Fernández | Madrid


Algunas jóvenes estrellas que enternecieron o desquiciaron al público siguen en la gran pantalla algunos años después, aunque a veces cueste reconocerlas.
Guiados por las modernas técnicas de la moda, por las necesidades publicitarias, por las pautas del rodaje o por los propios años, actores como Thomas Brodie-Sangster se muestran diferentes en las películas que llegan ahora a la cartelera.
En la recién estrenada 'Nowhere boy', Brodie-Sangster hace del mismísimo Paul McCartney. Su rostro mantiene la esencia del pequeño niño romántico que conquistó a su amada mediante música en la coral 'Love Actually' (2003). Pero no es fácil relacionarlo porque ni su rol ni su estilo es el mismo de hace ocho años.
Brodie-Sangster es uno de los niños a los que se ha visto crecer en la gran pantalla, como antes lo fueron Drew Barrymore ('ET') o Liv Taylor ('Lassie'). Repase algunos de los actores que en los últimos años han pegado el estirón con la cámara de cine como testigo.

Fuente: ElMundo
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas:
Suscribirse a: Entradas (Atom)