NOTICIAS MARTES 07 DE JUNIO DEL 2011

"'Apocalypse Now' definitivo"

Por: Álvaro P. Ruiz de Elvira

El rodaje de Apocalypse Now en Filipinas fue un infierno. Algo explicado perfectamente en unos cuantos libros, documentales y artículos muy recomendables, como el diario de rodaje que hizo la mujer de Coppola, Eleanor, Con el corazón en tinieblas (Emece) o el relato al detalle de Peter Cowie en The Apocalypse Now Book. Lecturas imprescindibles para conocer cómo la vida de Coppola se fue a pique durante dos años o detalles del rodaje como que Steve McQueen rechazó el papel del Capitán Willard o que a dos semanas de comenzar el rodaje, Francis Ford Coppola reemplazó a Harvey Keitel, que ya había rodado algunas escenas, por Martin Sheen.

Ahora sale en Blu-Ray (8 de junio en España) la que se podría denominar como edición definitiva de la película, con tres discos que incluyen tanto la edición original como la Redux que Coppola sacó hace una década, aparte de numerosos extras y el documental Corazones de la oscuridad: el apocalipsis de un cineasta. Entre los extras hay dos conversaciones jugosas, una de Coppola con Martin Sheen y otra del cineasta con el cineasta John Millius, autor del guión. También habrá una edición más modesta con dos discos.

En Versión Muy Original adelantamos en primita la primera conversación, en la que director y actor hablan sobre las dificultades del rodaje de las últimas escena de la película en el río…

(Ver video en URL del artículo: http://blogs.elpais.com/version-muy-original/2011/06/apocalypse-now-definitivo.html)

Fuente: ElPaís

"El cine preserva lo que se llevó el tsunami"

El director japonés Kobayashi estrena su cinta en Granada

FERNANDO VALVERDE - Granada

El pasado 11 de marzo una inmensa ola arrasó la costa oriental de Japón cambiando para siempre las líneas del futuro, el destino de un país que tal vez pueda superar la catástrofe, pero difícilmente olvidarla. "También cambió su pasado", reconoce el cineasta Masahiro Kobayashi (Tokio, Japón, 1954), que el pasado domingo presentó en la quinta edición del Festival Cines del Sur su último trabajo, Haru tono tabi (Haru'sJourney).

Kobayashi terminó pocos meses antes del tsunami, que se ha convertido para él en una referencia temporal ineludible, las escenas finales de su película. Lo hizo en Kesen-Numa, una ciudad hoy casi convertida en lodo y escombros, un lugar "lleno de vida" que ahora es un desierto al que los supervivientes quieren regresar, aunque el gobierno japonés no lo permita por el momento.

A comienzos de 2010, Masahiro Kobayashi se propuso rodar una película que hablara sobre la vejez, sobre la forma en la que mueren muchos ancianos en Japón, abandonados y solos, como si la modernidad los hubiera sentenciado al olvido. "En Japón los ancianos están muy desprotegidos. Muchos de ellos mueren solos. Incluso se descubren sus cuerpos meses después. Además, hay muchos suicidios. No existe una seguridad social que los proteja", explica. Ese es o era el eje central de su película. Su protagonista,Tadao, un pescador de Kesen-Numa, se ve obligado a dejar de trabajar. Entonces comienza a depender económicamente de su hija y después de su nieta, Haru. Ya al final de su vida, el cierre de la escuela de primaria en la que trabaja la nieta como profesora fuerza una situación desesperada. Ella quiere marcharse a Tokio y él se da cuenta de que es un estorbo. "He querido realizar una versión moderna de un tema muy tradicional en Japón, como es la separación de los jóvenes y los ancianos", explica Kobayashi, que recorrió toda la costa este de Japón en busca de escenarios en los que grabar su película. "Finalmente me decidí por Kesen-Numa, donde ya había grabado un trabajo anterior, y donde me compré una casa en la que pasaba temporadas", explica en un pasado que se vuelve leve, mientras dobla una gorra gris que tiene en sus manos o juega con sus largas uñas, como tratando de espantar la atención de una historia que le resulta dolorosa.

El director, acostumbrado a las entrevistas y a las ruedas de prensa, premiado en tres ocasiones en el Festival Internacional de Cannes, parece tímido. Habla en voz baja, con la mirada perdida, como si dialogara con sus fantasmas. Esos mismos fantasmas que pasan por Haru tono tabi y que se han quedado allí, porque ya no podrán volver a recorrer Kesen-Numa, ni salir a pescar, ni, en el mejor de los casos, regresar a sus casas.

"Muchos han muerto. Otros han perdido sus casas y ahora se encuentran en campamentos para refugiados. El gobierno japonés ha comenzado la construcción de viviendas provisionales lejos del mar, pero ellos quieren regresar a la ciudad. Hay un vínculo inexorable entre las personas y su tierra. Después de una tragedia tan enorme quieren reconstruir la ciudad en el mismo lugar. Es algo muy significativo de la condición humana", explica Kobayashi.

Lo quiera o no, la tragedia del tsunami ha marcado su película por muchos motivos. En primer lugar por tratarse de uno de los últimos retratos de la vida de los pescadores antes de que la ola lo arrasara todo. Luego también está la simbología, esa escena en la que se habla de dos tsunamis anteriores en el mismo lugar... "Me documenté mucho sobre aquello. Me sorprendía que la aldea se hubiera levantado de nuevo en el mismo lugar en el que décadas antes una ola acabó con todo. Hoy la historia es la misma. Parece ser que no hemos cambiado tanto", añadió.

Kobayashi, que compite con este trabajo en la sección oficial del festival, se decantó por la presentación en España dentro del festival granadino porque sabe que se trata de un público "que va a entender muy bien la película". De hecho, es en Europa donde ha logrado un mayor reconocimiento. En 2007, The Rebirth fue presentada en la segunda edición de Cines del Sur y posteriormente obtuvo tres premios en el Festival de Locarno.

Pese a que sus películas tienen un importante componente social, el cineasta no quiere definirse como un autor "comprometido". "No creo que sea mi misión la de denunciar diferentes conflictos sociales. Simplemente me interesan las emociones humanas, son el centro de mi trabajo. Al centrarme en ellas se producen mensajes sociales pero no de forma muy obvia. Es la confrontación entre las personas y las contradicciones aquello que está reflejado en mis películas".

En Haru tono tabi, que se desarrolla bajo la fórmula de una roadmovie, el retrato sentimental se va convirtiendo poco a poco en un melodrama. El acercamiento de sus dos personajes principales sirve para desentrañar algunos de los valores esenciales de la cultura japonesa, como es el caso de la piedad filial. "Se trata de un conflicto muy duro para los dos, muy difícil de superar. Es un conflicto universal que sucede en todo el mundo y en todas las culturas", concluye.

Fuente: ElPaís
URL del artículo: http://www.elpais.com/articulo/cultura/cine/preserva/llevo/tsunami/elpepuculcin/20110607elpepucul_1/Tes

"'Tintín', un dolor de cabeza para la Academia de Hollywood"

El próximo estreno de la película en formato 'mocap' reabre el debate sobre la categoría de esa técnica, mitad grabación y mitad animación

ROCÍO AYUSO - Los Ángeles

Todavía no se ha estrenado pero la llegada de Tintín a las grandes pantallas con la adaptación de El secreto del unicornio se está convirtiendo en un quebradero de cabeza para la Academia de los Oscar. La película, realizada con técnicas de captura de movimiento o mocap y dirigida por Steven Spielberg, no encuentra su lugar en la institución. El primer tráiler de la cinta muestra imágenes que quieren ser fieles al cómic de Hergé manteniendo un estilo animado pero a la vez fotos realistas donde actores como Jamie Bell o Daniel Craig ponen no solo la voz sino la interpretación a los personajes principales. Es la misma técnica que utilizó James Cameron en Avatar pero con una gran diferencia. Mientras el director de Titanic siempre vio su obra como un filme, Spielberg tiene claro que Las aventuras de Tintín es una película animada.

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas que entrega anualmente los Oscar ha dejado muy claro en sus reglas que "el mocap por sí mismo no es una técnica de animación". El debate viene de lejos, desde que el mocap ganó terreno en el cine gracias a los avances tecnológicos. Son muchos los profesionales que consideran las técnicas de captura de movimiento una versión moderna del rotoscopio, sistema utilizado por grandes animadores de la época dorada de Disney para calcar en dibujo el movimiento de una Blancanieves que habían filmado previamente. Pero en la actualidad son muchas las estrellas como Tom Hanks, Angelina Jolie o Jim Carrey que han interpretado sus papeles vestidos con una malla dotada de puntos reflectantes que, captados por las cámaras, permiten a los animadores reproducir sus movimientos en ese cuerpo digital creado para el filme. Una técnica que, como dice Bill Kroyer, miembro de la junta directiva de la rama de animación de la Academia, tiene sus "profetas y otros que la tildan de herejía". Entre los profetas están Robert Zemeckis, detrás de filmes como Polar Express, que defiende desde hace años una categoría propia para las películas realizadas en mocap, algo improbable en un momento en el quela Academia quiere recortar el número de galardones para aligerar la ceremonia.

La decisión de la Academia, lejos de poner punto final al debate, solo abre más interrogantes porque si el mocap no es una técnica de animación ¿qué hace Happy Feet con el Oscar que recibió en 2007 a la mejor película animada? Las repercusiones de esta decisión también se dejarán sentir en otras categorías como la de mejor actor. ¿Cualifica la interpretación de Craig como Rackham el rojo en Tintín para esa categoría incluso si su creación es una criatura sintética, simbiosis del movimiento del intérprete británico y la destreza de un animador? Los estudios Disney lo intentaron hace dos años con Carrey en Disney: Cuento de Navidad (A Christmas Carol) pero las normas de la Academia impidieron su postulación. Y una de las supuestas razones de la derrota de Avatar en los Oscar fue la falta de apoyo entre el gremio de los actores, el más numeroso dela Academia y todavía desconfiado con esta técnica.

Los foros de animadores también están divididos entre aquellos que se sienten incómodos con una técnica por la que no se les reconoce como artistas y los que, les guste o no el resultado, ven en películas como Avatar o Las aventuras de Tintín el futuro. "Para hacer mocap o realizar trabajos más típicos en animación hablamos de los mismos programas, los mismo ordenadores y los mismos artistas", añade Kroyer.

El debate está lejos de encontrar un final. El peso de Spielberg en la industria puede ser determinante para cambiar una regla que levanta muchas ampollas en un año en el que el realizador más respetado de la industria cuenta con otro estreno, el filme dramático The War Horse, y no quiere ser competencia de sí mismo. Curiosamente el productor y director de la próxima aventura de Tintín, Peter Jackson, coincide más con la Academia que con Spielberg. El retorno del rey, que se llevó el Oscar a la mejor película en 2004, es considerada junto con el resto de la saga del anillo como el descubrimiento del mocap. Y para el estreno de The Hobbit en 2012 es natural que las aspiraciones de Jackson estén puestas en la categoría de mejor película: nada de verse relegado al nicho de los filmes de animación.

Fuente: ElPaís
URL del artículo: http://www.elpais.com/articulo/cultura/Tintin/dolor/cabeza/Academia/Hollywood/elpepucul/20110606elpepucul_1/Tes

'La carcajada es enemiga de la comedia'

Dario Prieto - Madrid

El año pasado 'El secreto de sus ojos' se llevó el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa, por delante de la gran favorita a priori, 'La cinta blanca' de Michael Haneke. Una película tan ambiciosa y potente necesitaba de un actor a su altura y Ricardo Darín cumplió con el cometido. En realidad, lo viene haciendo con casi todos los grandes títulos argentinos de los últimos años, aunque él dice que hizo "muchas porquerías" al principio de su carrera.

Ahora, Darín regresa con una película pequeña. 'Un cuento chino', que se estrena en España el próximo 17 de junio, cuenta la historia de un ferretero argentino enfadado con el mundo y con su absurdo, al que da vida Darín, que un día se encuentra con un inmigrante chino que no habla ni palabra de español y al que decide acoger temporalmente. Las dificultades de comunicación, la solidaridad y la aceptación del sistema son algunos de los temas en torno a los que gira la película dirigida por Sebastián Borensztein.

El actor ha estado este lunes en Madrid para promocionar la película, y, aunque ha destacado que su personaje gruñón es bastante distinto de su carácter jovial, también ha reconocido que tiene puntos en común con él. "Su disconformidad con el sistema, su enojo hacia los malos tratos, su obsesión por defender cuestiones sociales. No tengo que ver con su temperamento, pero puedo entender que alguien termine tan enojado".

"De la dinámica de la vida actual, me llama mucho la atención cómo nos hemos acostumbrado a las anomalías", ha apuntado Darín. "Cómo hemos terminado domesticados de alguna forma ante ciertas deformidades sociales que nos afectan, nos pegan, nos duelen y nos hieren. Eso es aterrador".

Siguiendo con las dimensiones reducidas, Darín ha destacado que uno de sus sistemas de trabajo es la máxima "la carcajada es enemiga de la comedia". "Si uno se abraza a la carcajada se pierde la otra parte de la comedia, que es lo que está por debajo de la gracia", ha apuntado.

Fuente: ElMundo y Youtube
URL del artículo: http://www.elmundo.es/elmundo/2011/06/06/cultura/1307365934.html

'Que levante la mano quien ya haya visto 'Un perro andaluz...'

Carlos Cid | Shanghái (China)

"Que levante la mano quien ya haya visto 'Un perro andaluz'". Javier García Puerto (Tarragona, 1975) se enfrenta a un grupo de periodistas chinos arremolinados en torno a la pantalla y arropados por la oscuridad de la sala de exposiciones del Instituto Cervantes de Shanghái, y deja que el silencio cale. "Entonces os envidio, porque vais a disfrutar por primera vez de una obra esencial de la historia del arte".

El acto es la presentación de la exposición 'Del cine experimental a la vanguardia audiovisual', una panorámica del cine experimental y el video arte españoles, desde el archiconocido ojo de oveja apañado por la cuchilla onírica de Buñuel y Dalí hasta 'collages' realizados en un portátil con material sacado de Google.

Javier García Puerto es Licenciado en Comunicación Audiovisual e Historia del Arte, imparte clases en varias universidades, es director del festival �rec� de Tarragona y ejerce de comisario en esta retrospectiva organizada por el Cervantes de Shanghái. La exposición aglutina y ordena varios ciclos ya existentes y abarca todas las épocas y estilos del "otro cine" español, desde sus inicios hasta el siglo XXI.

"Que películas como 'Arrebato', de Iván Zulueta, o 'Un perro andaluz' no se hayan mostrado en algunos países evidencia la incapacidad que, hasta hace poco, tenía la cultura española de promocionarse a sí misma". Y es que, según el comisario, tradicionalmente han sido las grandes instituciones internacionales las que venían a España a buscar a estos autores para exportarlos a sus museos y sus festivales.

García Puerto ha comisariado exposiciones en España, Alemania e Israel, donde el contexto cultural es afín al de los creadores de las piezas que se exponen en Shanghái, pero para él la reacción del público chino era una incógnita. "Es la primera vez que 'Un perro andaluz' se proyecta en China, y aunque en los círculos cinematográficos y artísticos es un referente mítico del que todos han oído hablar, la mayoría de las veces no han tenido la oportunidad de verla". La primera sorpresa ha sido que el público no especializado ha reaccionado �lo sugiere el gesto de varios asistentes que se echan las manos a la cara en la escena del ojo y la cuchilla�, y eso habla de "la vigencia y universalidad de películas que fueron muy rompedoras en su momento, hace prácticamente 100 años, y que conservan la capacidad de sacudir y de dejar imágenes impactantes en la retina a través del tiempo y la distancia". Falta por ver si la cultura del país es capaz de responder, de incorporarla a su colección de referencias artísticas y a su lenguaje propio.

¿Se aprende algo sobre España en esta exposición? "La historia del cine experimental es una especie de cara B de la historia de España, porque los picos creativos coinciden con los momentos de mayor efervescencia política y social". El primer pico se da a finales de los años 20 y principios de los 30, con ese caldo de cultivo social que desemboca en la república. Los años 50 son de sequía creativa salvo en el caso de Val del Omar, "inventor indómito y estilista brillante", a quien la exposición reserva un espacio. El aperturismo de finales del franquismo coincide con una nueva generación de creadores que se adueñan de tecnologías recién llegadas, como el vídeo y el Super 8. De esta hornada surgen Zulueta y Almodóvar antes de dedicarse al cine más o menos convencional. "La democracia establece un circuito y hace más visibles a estos cineastas, con subvenciones y la atención de las instituciones artísticas y los medios de comunicación generalistas".

A veces es difícil encontrar el hilo conductor de la creación experimental española, compuesta por "francotiradores que trabajaban de manera aislada y que estaban fuera de los circuitos oficiales". No hubo un movimiento conjunto, y no se pueden establecer elementos estilísticos comunes, "el hecho de estar alejados de las tendencias y de la influencia institucional hace que su apuesta personal se subraye más, y eso los lleva a altas cotas de libertad e innovación". García Puerto considera que el cine experimental español resulta particularmente interesante para el público que se acerca por primera vez a este género, ya que "una mirada en retrospectiva da una visión de un panorama muy amplio, con una paleta muy variada y, por lo tanto, es una historia del cine muy didáctica".

Se enciende la luz de la sala, donde todavía parecen flotar los últimos acordes de 'Tristán e Isolda'. "Os lo advertí, si el cine pretende crear emociones que se graben en la memoria, los 17 minutos que acabáis de presenciar ostentan el record de consecución de impactos emocionales". El público abandona el recinto dispuesto a degustar los canapés de gazpacho picante 'a la shanghainesa' y unos dulces con una sustancia blanquecina y gelatinosa que huelen a pastel de queso y arándanos. aunque hay quien, conmovido, no tiene fuerzas para hincar el palillo.

Fuente: ElMundo
URL del artículo: http://www.elmundo.es/elmundo/2011/06/06/cultura/1307357287.html

"La indignación de Ricardo Darín"

El actor presenta 'Un cuento chino', taquillazo en Argentina

SARA BRITO MADRID

Un tipo peculiar este Roberto: vende tornillos y colecciona noticias de sucesos bizarros que aparecen en los diarios. Es huraño y maniático y se lleva tan mal con el sistema que no hace el menor esfuerzo por disimularlo. "Admiro su franqueza, su capacidad de ser políticamente incorrecto", decía ayer el actor Ricardo Darín sobre su personaje en Un cuento chino, una película pequeña que ha barrido a los grandes blockbusters en la taquilla argentina hasta convertirse en un auténtico fenómeno que han visto un millón de espectadores.

"Lo que me llama mucho la atención de la vida últimamente", se extiende Darín, "es cómo nos hemos acostumbrado a las anomalías, cómo hemos acabado domesticados ante ciertas deformidades sociales que nos afectan. Nos hemos acostumbrado al mal menor, a los daños pequeños, y en el fondo por ahí es por donde se empieza a perder. Nos hemos alejado tanto de la orilla que ya no sabemos dónde estamos", confesó ayer en una entrevista con Público.

Pero su personaje en el filme no pasa por esas. Él es de los que no tolera que lo engañen. "Hay una escena en la película en la que Roberto discute porque le faltan seis tornillos en una caja. No da lo mismo seis tornillos que 6.000, dice, como no da lo mismo muchas cosas que pasan en nuestras vidas. Nos engañan continuamente, pero no nos importa porque andamos demasiado ocupados", remarcó Darín.

Un cuento chino, que se estrena el próximo 17 de junio, habla de todo esto, pero sin grandes gestos. Se trata más bien de una pequeña fábula humana salpicada con un poco de humor. ¿Están él y su personaje indignados? "La indignación es muy tajante y yo soy más de intentar entender a todas las partes", matizó. "Pero conozco lo que ha pasado en España, y creo que es el inicio de un movimiento mundial que se va a reproducir", indicó.

Roberto es un ferretero que ha cerrado su vida, como hace cada noche con las rejas viejas de su tienda. Es de los que decidió hace mucho apearse de la vida y no deja que nada ni nadie se meta en su rutina maniática. El azar hará que acabe metiendo en su casa a un joven chino que lo alterará hasta el punto de hacerle reaccionar, no sin dificultades, para volver a tomar las riendas de su propia vida.

"Hay una cosa hermosa en la película que consiste en ver cómo un tipo mayor acaba cambiando su vida gracias a una persona con la que no es capaz de intercambiar una sola palabra", apuntaba ayer un Darín disfrazado de antigalán para este filme.

El actor, que resurgió con Nueve reinas (2000), vuelve a meterse en una película que habla de las personas, pero también de la política que acaba salpicando a los individuos. Si en El secreto de sus ojos fue la dictadura que vivió su país desde 1976, aquí, la película aborda las secuelas emocionales que dejó en un hombre la guerra de las Malvinas.

"Que no me digan que las Malvinas no fue algo absurdo. Yo aún recuerdo escuchar en la radio cómo nos intentaban convencer de que estábamos ganando a los ingleses", insistió. Sin embargo, en esta ocasión no se trata de un gran relato histórico y personal como el de Campanella, sino de "una película mucho más pequeña", como apuntó Darín. Una fábula mínima, que para el actor se convierte en la mejor manera de llegar al espectador y tocarle el corazón.

Fuente: Público
URL del artículo: http://www.publico.es/culturas/380569/la-indignacion-de-ricardo-darin

"Los jóvenes 'X-Men' conquistan la taquilla mundial"

La precuela de los mutantes recauda 82 millones de euros en todo el mundo en su primer fin de semana

PÚBLICO.ES Madrid

El gran estreno de este fin de semana ha sido, sin duda, X-Men: primera generación , que Fox estrena de forma muy potente en más de 550 pantallas españolas. Los buenos comentarios y críticas que se han oído desde su estreno en EEUU han llenado las salas con una gran expectación.

Otra ventaja que poseían los mutantes ha sido la casi nula competencia en una cartelera española en la que la presencia de la cuarta entrega de Piratas del Caribe o las lejanas Fast  & Furious y Thor podían hacer sombra a la precuela.

De momento Primera generación debería alcanzar los 3,1 millones de euros en España, pero con opciones de poder llegar más cerca de los 3,4 millones, aunque aún no hay datos confirmados.

Las anteriores entregas de la saga se movieron entre los 3,6 y los 3,8 millones de euros en los fines de semana de estreno. El cuarto film, Lobezno, primer spin-off de la saga, generó 3,3 millones en su estreno en España.

Disney verá relegado su Piratas del Caribe 4 al segundo puesto pero no con cifras negativas. La pasada semana descendió un 51%, aunque lleva recaudados un total de 13,6 millones de euros en tres semanas.

Líder mundial indiscutible

La quinta entrega de X-Men alcanzó este fin de semana el primer lugar de la taquilla mundial tras vender cerca de 82 millones de euros en entradas, según la distribuidora 20th Century Fox .

X-Men: Primera generación, nuevo relanzamiento de la franquicia del cómic de Marvel, se estrenó en el primer lugar en EEUU y en Canadá, con 38 millones de euros, cumpliendo con las expectativas del estudio previo.

Aunque el estreno en Estados Unidos fue bastante más bajo que la mayoría de las películas previas de la franquicia de X-Men, en general se garantiza que habrá más películas sobre las hazañas de este grupo de súper héroes mutantes.

La nueva entrega de los mutantes, que costó unos 110 millones de euros, es una precuela sobre los años formativos de los mutantes más conocidos. Charles Xavier y Erik (Magneto) exploran sus habilidades y luchan en un frente común en el contexto de la crisis de los misiles en los años 60. Tanto críticos como fanáticos alabaron la nueva película y a su director.

Fuente: Público
URL del artículo: http://www.publico.es/culturas/380416/los-jovenes-x-men-conquistan-la-taquilla-mundial

"«Eclipse» arrasa en los premios de cine de la MTV"

Por tercer año consecutivo, la romántica película entre una mortal y un vampiro fue escogida como el mejor filme del año en una ceremonia alegre, a veces subida de tono, que honra a las películas más vistas de Hollywood.

Los premios de cine de la MTV se convirtieron en publicidad gratis para la franquicia de películas Crepúsculo.

La segunda parte de la saga, Eclipse, que recibió ocho nominaciones, terminó llevándose cinco premios. En una repetición de la entrega del año pasado, Robert Pattinson y Kristen Stewart obtuvieron los premios al mejor actor y la mejor actriz, respectivamente.

Los actores, que también son pareja en la vida real, ganaron el premio a mejor beso, que Pattinson celebró corriendo hacia la audiencia para besuquear al actor y coprotagonista Taylor Lautner.

Pattinson se llevó también el premio a la mejor pelea, compartiendo el galardón con Bryce Dallas Howard y Xavier Samuel.

Con categorías como esas, nadie confundiría jamás a la ceremonia de MTV con los Premios Oscar de la Academia. El objetivo real del espectáculo es promover las próximas películas que apuntan al grupo demográfico juvenil de MTV.

De hecho, se presentaron anticipos de la cuarta película de la saga de vampiros, Amanecer, Parte 1, cuyo estreno mundial será el 18 de noviembre.

Otras imágenes exclusivas que fueron presentadas correspondieron a Super 8, que saldrá a los cines en Estados Unidos el viernes 10, y Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, Parte 2, que se exhibirá desde el 15 de julio.

Los premios se deciden a través de la votación de los aficionados por internet, lo que posiblemente explica por qué Justin Bieber ganó la categoría "Momento para quedar con la boca abierta" con la película 3D de su recital Never Say Never. El ídolo juvenil canadiense venció a escenas de mayor tensión en películas como Cisne negro y 127 horas.

A los productores de La red social probablemente no les quitará el sueño que el guión ganador del Oscar de Aaron Sorkin haya perdido en la categoría "Mejor línea" ante el filme Niños grandes, que fue un fracaso ante la crítica.

El humor picaresco caracterizó la noche, principalmente gracias a su presentador, el cómico de Saturday Night LiveJason Sudeikis.

Fuente: LaRazón

URL del artículo: http://www.larazon.es/noticia/9709-la-segunda-parte-de-crepusculo-arrasa-en-los-premios-de-cine-de-la-mtv

NOTICIAS VIERNES 03 DE JUNIO DEL 2011

"¿Quién puede engañar a Keira?"

O sea: ¿que tienes desde hace tres meses una compañera de trabajo que es un bellezón como Eva Mendes y no me has dicho nada? ¿Y además sois amiguísimos? Ésas son las preguntas de Keira Knightley a su maridito en la ficción (Sam Worthington) que disparan la trama de 'Sólo una noche', el drama romántico manhattaniano y atormentado de este verano (estreno en España, el 23 de junio).

Y la verdad: piensa mal y acertarás. Lo de Eva Mendes y Worthington es algo más que compañerismo. Otra cosa es que Keira tampoco sea boba. En ausencia de su marido, un antiguo amor (el francés Guillaume Canet) aparece por Nueva York, bastante encantador, le invita a cenar y... En fin.

Qué poca formalidad. Y eso que la directora de la película es la iraní Massy Tadjedin, debutante en el oficio. Hasta ahora, a Tadjedin se la conocía por ser la guionista de 'The jacket', también con Keira Knightley de protagonista.

Fuente: ElMundo y Youtube

URL del artículo: http://www.elmundo.es/elmundo/2011/06/03/cultura/1307084981.html

"Todos somos árboles"

GONZALO DE PEDRO

‘Todos vós sodes capitáns'

DIRECTOR: Oliver Laxe

GÉNERO: documental / ficción

NACIONALIDAD: españa

REPARTO: France Aline, Hicham Amidallah, Mohamed Bablouh

DURACIÓN: 79 minutos

EN SÍNTESIS
Un cineasta español llega a Tánger como profesor de cine de un grupo de chavales con problemas. El roce con ellos desembocará en su expulsión y la toma del control de la película por los chavales.

COMENTARIO
Dinamitando, por fin, la dichosa frontera entre documental y ficción, ‘Todos vós sodes capitáns' es una película construida con el mimo y la libertad de quien nada en aguas en las que no hace pie. Ni compasiva ni indulgente, ni colonialista ni con mala conciencia, es más una película sobre la necesidad de hacer películas que sobre un grupo de niños con una cámara. En el fondo, es un canto a la belleza de lo esencial y una invitación a viajar y limpiar la mirada.

PIRATAS CON PODER
Producida con lo puesto y una cámara de 35 mm prestada, el primer largo de Oliver Laxe se alzó con el premio de la crítica en el Festival de Cannes 2010. Que haya tardado un año en llegar, mal, a nuestras pantallas, debería avergonzarnos. ¿La culpa es también de la piratería?

Fuente: Público y Youtube
URL del artículo: http://www.publico.es/culturas/379943/todos-somos-arboles

"Contra Milton Friedman"

CARLOS PRIETO

'La doctrina del shock'

DIRECTOR: Michael Winterbottom, Mat Whitecross

GÉNERO: documental

NACIONALIDAD: reino unido

DURACIÓN: 79 minutos

EN SÍNTESIS
Basada en el ensayo de Naomi Klein, ‘La doctrina del shock' ilustra con imágenes el capitalismo del desastre. O cómo las élites económicas usan los periodos de crisis económica, guerras y desastres naturales para imponer el libre mercado.

COMENTARIO
Michael Winterbottom se sumerge en las cloacas de la doctrina neoliberal. Desde su creación a principios de los setenta impulsado por los Chicago Boys del economista Milton Friedman, a su posterior extensión por las dictaduras militares latinoamericanas de Pinochet y compañía. Y de ahí al resto del mundo. Dice Winterbottom que ‘La doctrina del shock' es una "historia alternativa de los últimos 30 años". Y tiene razón: su tesis refuta la oficial. Cree que la agenda neoliberal se ha impuesto a palos aprovechando las crisis sociales. Y la evolución de la actual recesión económica, no cubierta en el filme, parece darle la razón. Entre furioso, contundente y televisivo.

Fuente: Público y Youtube
URL del artículo: http://www.publico.es/culturas/379946/contra-milton-friedman

"Héroes bajo presión"

EULÁLIA IGLESIAS

'X-Men: Primera generación'

DIRECTOR: Matthew Vaughn

GÉNERO: Fantástico

NACIONALIDAD: eeuu

REPARTO: James McAvoy, kevin bacon, Michael Fassbender

DURACIÓN: 132 minutos 

EN SÍNTESIS
La habilidad para atraer objetos metálicos del pequeño Erik Lehnsherr fascina al médico del campo de concentración donde está encerrado. Erik no podrá olvidar esta experiencia como víctima de los nazis, ni tan siquiera cuando conozca a Charles Xavier, que también posee un extraño don y no tarda en convertirse en su mejor amigo. Ambos fundan una escuela para jóvenes mutantes, pero sus opiniones divergentes los acabarán distanciando.

COMENTARIO
Cuando la franquicia cinematográfica de la Patrulla X parecía más que desinflada, sus productores han recurrido de nuevo a Bryan Singer, responsable de las dos primeras entregas, para que desde su tarea de productor y coguionista rejuveneciera la serie. Apuesta ganadora: la precuela de ‘X-Men', dirigida por Matthew Vaughn se encuentra entre lo mejor de la saga. El regreso a los orígenes del profesor Xavier y Magneto nos sitúa en un contexto de guerra fría que permite explotar una trama de acción, con amenaza de tercera guerra mundial incluida, a la altura de los mejores 007. Eficaz en su explotación del género y atractiva en su recreación del estilo de los sesenta, ‘Primera generación' destaca sobre todo por otorgar densidad a sus protagonistas. Como dejó patente M. Night Shyamalan en ‘El protegido', un superhéroe no es nadie sin su némesis. Los creadores de esta precuela aplican la misma lección: aunque en apariencia el protagonismo esté repartido entre Xavier y Magneto, la espina dorsal dramática de ‘Primera generación' la constituye la trayectoria de este último, desde su infancia en un campo de concentración hasta su paso al lado oscuro de los mutantes. Mientras que el profesor Xavier se reafirma como el Pep Guardiola del X-Team, un carismático entrenador de talentos en bruto que él encauza por el bien de la humanidad, Erik va mutando en uno de los villanos más interesantes que ha dado el cine de superhéroes. Personaje de índole trágica, incapaz de olvidar ni perdonar ("la paz nunca ha sido una opción", sentencia), Erik ejerce de maldito bastardo vengador (el actor Michael Fassbender era, además, uno de los protagonistas de la película de Tarantino) e identifica la marginación de los mutantes con la que sufrió el pueblo judío. Pero su sed de venganza le lleva a parecerse a su torturador, en una ambigua relación como la que se desarrollaba en ‘Verano de corrupción', también de Singer. ¿Quién dijo que la ficción de superhéroes no podía plantear apasionantes paradojas morales?

EL TOQUE 'BRITISH'
Qué bien le sienta el toque británico a ‘X-Men'. No sólo por el director, Matthew Vaughn, que se dio conocer con la remarcable ‘Layer Cake' pero le debe la fama a ‘Kick-Ass'. Sobre todo por los dos actores principales: el escocés James McAboy, visto en ‘Expiación', le otorga ese aire de caballeroso seductor al Profesor X, y el germano-irlandés Michael Fassbender, que magnetiza la pantalla con su presencia sin necesidad de poderes mutantes.

Fuente: Público y Youtube
URL del artículo: http://www.publico.es/culturas/379941/heroes-bajo-presion

NOTICIAS VIERNES 27 DE MAYO DEL 2011

"Nicolas Sarkozy, por fin actor protagonista"

'La conquista' describe el ascenso al poder del actual presidente francés

GREGORIO BELINCHÓN - Madrid

Nicolas quiere llegar lejos. Algunos le ven como aún como el pequeño Sarkozy, un tipo sin brillo con muchas ganas de triunfar. Pero otros observan en él al joven político que podrá sustituir a un mayor Jacques Chirac y a un demasiado finolis Dominique de Villepin. Ese lustro, el que va de 2002 a 2007, en el que Nicolas Sarkozy pasa de ministro a presidente de Francia, pero pierde a su esposa Cécile, su principal apoyo y consejera, son los años que se ven en La conquista, una película que armó un revuelo considerable en su estreno durante el certamen de Cannes. Tantos eran los miedos, que no hubo pase de prensa y se presentó en la sección Oficial, aunque fuera de concurso, el mismo día que se estrenaba comercialmente en las salas francesas (en su primer fin de semana se ha puesto cuarta por recaudación). En España se estrenará a finales de este año.

Xavier Durringer, su director, charló con EL PAÍS un día antes del lanzamiento. "Me gusta que no hayas visto la película. Así hablamos en general, y no de tal o cual secuencia". Eso incluye charlar de política. "Por supuesto". Pues entonces empecemos por la actualidad: ¿su opinión sobre el caso Strauss-Kahn? "Ahí prefiero no decir nada, porque está en plena investigación. Pero para el partido socialista es un desastre, mucha gente le esperaba con ansia. No sé más que tú del caso, y no puedo aportar mucho más salvo que me entristece la historia, por las esperanzas puestas en él y porque Sarkozy necesita alguien enfrente fuerte, que sea un poderoso rival con ambiciones como él. Además, todo esto va a enmierdar la política y hará crecer al partido de Marine Le Pen".

Fuente: ElPaís

URL del artículo: http://www.elpais.com/articulo/cultura/Nicolas/Sarkozy/fin/actor/protagonista/elpepucul/20110527elpepucul_3/Tes

"Un triángulo productor-director-guionista"

Un seminario reúne en Comillas a una veintena de nuevos realizadores para debatir las dificultades a las que se enfrentan

ROCIO GARCÍA - Comillas

El trabajo de productor de cine se ha vuelto más complejo, el del director más complicado. Todo aderezado por las nuevas tecnologías y también, cómo no, por la delicada situación que vive la industria audiovisual en Europa y, particularmente, en España. La financiación de las películas se encuentra sujeta a los condicionantes de la crisis económica y de ahí la preocupación de los nuevos realizadores para iniciar su carrera en estas adversas circunstancias. Una veintena de nuevos realizadores, con uno o máximo dos largometrajes dirigidos, están reunidos en Comillas, Cantabria, en un seminario organizado por el Instituto Buñuel de la Sociedad General de Autores, y auspiciado por Manuel Gutiérrez Aragón, en el que a lo largo de dos días debatirán y pondrán en común las dificultades y limitaciones a los que se enfrentan en una industria cuyo panorama no es muy alentador.

No pierden, sin embargo, la pasión ni las ganas. Nombres como Eduardo Chapero Jackson, que tras una carrera de éxitos en el cortometraje, estrenará su primer largometraje en noviembre, Verbo; Max Lemcke, el ganador de la última edición del Festival de Cine de Málaga con Cinco metros cuadrados, o Juana Macías (Planes para mañana), escucharon muy atentamente junto al resto de sus compañeros las intervenciones de los representantes de productores y televisiones.

Se acabaron los tiempos de la tiranía artística de los realizadores. Hay que pensar en la viabilidad internacional. La armadura del guion y de la historia tiene que ser más que potente. No se puede empezar un proyecto sin tener distribución. Cada película tiene sus propias reglas. Sin marketing no hay ninguna posibilidad de éxito. A grandes rasgos fue lo que vinieron a decir esta mañana los cuatro ponentes que han intervenido: los productores Gerardo Herrero y Juan Gordon, la directora del área de cine de Televisión Española, Eva Cebrián, y el consejero delegado de Telecinco, Paolo Vasile.

No hay fórmulas de éxito, eso está claro, pero en lo que más abundaron todos es la necesidad de fomentar el triángulo de productor-guionista y director. "El productor no es nuestro enemigo, no podemos pensar que nos va a traicionar nuestra historia, todo lo contrario, puede ser el frontón perfecto en el que medir nuestra historia", señaló Chapero Jackson, cuya película ha sido producida por Telecinco. Fue exactamente esto lo que destacó el productor y realizador Gerardo Herrero, para quien los tiempos de la tiranía del director se han acabado y empiezan claramente los de la colaboración entre todos los creadores e impulsores de un filme.

Fuente: ElPaís

URL del artículo: http://www.elpais.com/articulo/cultura/triangulo/productor-director-guionista/elpepuculcin/20110526elpepucul_14/Tes

REPORTAJE

"Lo que la vida esconde"

El actor Guillaume Canet defiende en 'Pequeñas mentiras sin importancia', su tercera película como director, la necesidad de disfrutar del día a día

ROCÍO GARCÍA | Madrid

En Francia, la expresión petits mouchoirs se utiliza para enfrentar a los niños con un juego, un engaño. Cuando uno no quiere ver una cosa pone encima un pequeño pañuelo y así cree que realmente no se ve y no existe. Pues esa sensación es la que ha vivido, ya de adulto, Guillaume Canet, de 37 años, hombre atractivo, actor de moda que no decía a nada que no -enlazando proyecto tras proyecto-, hasta que decidió levantar el pañuelito de su vida y dejar de esconder todas las cosas que escondía debajo de la alfombra y que ya no podía dejar de ignorar.Y esa confesión que hace el actor y director francés delante de un grupo de periodistas en París, con motivo de los encuentros de Unifrance, la ha trasladado, título incluido en Francia, a su tercer largometraje como realizador que se estrena hoy en España con el nombre de Pequeñas mentiras sin importancia.

Fue a raíz de la pérdida de un amigo muy querido, explica Canet, cuando empezó a escribir esta película, una historia coral que reúne a algunos de los mejores intérpretes del cine francés como Marion Cotillard (oscar por su papel en La vie en rose), Jean Dujardin (reciente premio en Cannes como mejor actor por El artista), además de Benoît Magimel, François Cluzet o Gilles Lelouche. Pequeñas mentiras sin importancia narra las vacaciones de verano de un grupo de amigos que no quiere romper la tradición de reunirse cada año, a pesar de que uno de ellos ha sufrido un accidente y se encuentra hospitalizado en París. Todo son mentirijillas y apariencias entre ellos hasta que estalla la verdad de sus relaciones y comportamientos. ¿Llevo la vida que quiero? ¿Estoy con los amigos que quiero estar? Estas son las preguntas que se hizo Guillaume Canet y que se respondió a sí mismo, en una especie de catarsis personal, a través de su tercer largometraje como director, que ha cosechado un tremendo éxito en Francia con más de cinco millones de espectadores.

"Es sin duda mi filme más personal. Estaba pasando momentos muy difíciles en mi vida, en los que me di cuenta de que no había tomado buenas decisiones ni elecciones. Me había desperdigado mucho en mi trabajo, lo hacía todo sin parar y me había perdido muchas cosas, incluso amigos. El mundo va tan rápido que uno no tiene tiempo realmente de vivir las cosas y digerirlas, todo tiene que ser inmediato, parece que no pudiéramos detenernos y así no podemos disfrutar de las pequeñas cosas que nos aporta la vida. Pensé que ese sentimiento lo podía compartir con el público, hablar de lo importante de la amistad y del amor, de decir a la gente que uno quiere que la quiere antes de que sea demasiado tarde". Se ha puesto algo sentimental Canet, pero lo hace con una sinceridad y una tranquilidad que apabulla, también con una bonita sonrisa en el rostro.

Y siguen las confesiones. Está convencido de que con este filme ha cerrado una herida íntima. "Al final de la película lloré. Y nunca había llorado antes porque crecí en una familia muy estricta en la que uno tenía que ser muy fuerte y no dejaban llorar. Pues ya sé llorar. Ahora sí puedo llorar".

Aunque no parece decidido Canet a dejar a un lado su carrera como actor y luchará por compatibilizarla con la de realizador, el cineasta tiene claro que la interpretación la tiene algo abandonada, porque ahora sí trata de elegir bien y, dice, no siempre es fácil. "Ahora no tengo que estar esperando a que suene el teléfono para hacer una película; ahora la puedo hacer yo mismo, escribirla, prepararla. Me encantaría seguir compatibilizando las dos cosas, aunque si tuviera que elegir sin dudarlo me inclinaría por la dirección". A toda esta reflexión se añade que el propio Canet no se siente completo como actor. Es más, no se considera un buen intérprete. "Sé lo que digo. Me parece que soy mejor director que actor. Cuando dirijo una película, y sé que solo llevo tres [las anteriores fueron el drama Mon idole y el soberbio thriller Ne le dis à personne], nada me puede parar, nada es más importante de lo que hago en ese momento". Quizás por eso va a seguir el consejo de su amigo Jean Rochefort: "Nunca te compres una parrilla para hacer el asado". "Si uno se compra la parrilla significa que tiene una casa de campo, y si tiene una casa de campo es que hay que pagar una hipoteca, y para pagar esa hipoteca tendrás que aceptar hacer cualquier película por dinero. Como director quiero estar seguro de que va a ser así siempre, de que solo voy a realizar una película cuando de verdad tenga algo que decir". Lo dice alguien que llegó a trabajar al lado de Leonardo DiCaprio en La playa.

Parece que decididamente algo ha cambiado a mejor en la vida de Canet. No solo su reciente paternidad con su pareja Marion Cotillard, sino también la realización de un sueño infantil: el de volar. Tan es así que en el maletero del coche lleva un ala delta y cuando se encuentra en dificultades se dirige al campo más cercano de París y vuela, vuela alto.

Fuente: ElPaís

URL del artículo: http://www.elpais.com/articulo/cine/vida/esconde/elpepucin/20110527elpepicin_3/Tes

REPORTAJE: EN PORTADA

"40 años dando mal rollo"

ROCÍO AYUSO (LOS ÁNGELES)

Tras su estreno en 1971, La naranja mecánica se alzó como un icono pop y político pocas veces equiparado después. La edición aniversario restaurada que se edita ahora prueba que su influjo está más vivo que nunca. Su protagonista, Malcolm McDowell, nos cuenta por qué.

Un rostro desafiante mirando a cámara, unas pestañas postizas acentuando un solo ojo y un bombín negro. Ese es Malcolm McDowell y lo será siempre. Porque da igual que este año se cumpla el 40º aniversario de su ópera magna, La naranja mecánica; solo el genio de Stanley Kubrick supo encontrar en este actor británico ahora arrugado, aunque igual de arrogante, el talento maligno que marcó a todas las generaciones por venir. Kylie Minogue copió su estilo (para su Fever Tour de 2002), como antes o después lo han hecho David Bowie, Led Zeppelin, Bart Simpson, Blur, Usher, Lady Gaga o Madonna, por citar unos pocos iconos de la cultura pop. Y a McDowell lo dejaron seco a juzgar por una carrera con más tumbos y malos de cliché que trabajos de alcurnia.

Pero ¿cómo superar el peso de una obra maestra tan influyente? Las generaciones venideras se apropiaron del look transgresor del filme, pero domesticaron su contenido. A la hora de la verdad, solo la bravuco-

nería de McDowell y el ojo de Kubrick fueron capaces de hacer de La naranja mecánica ese clásico que el propio director retiró de cartelera en Inglaterra, su país de residencia, por miedo a las represalias por su excesiva violencia. Su protagonista ahora disfruta de su merecida vuelta al ruedo con su nueva edición restaurada que fue estrenada en Cannes, y llega también en Blu-ray para que sigamos ante el televisor con los párpados despegados. Cuatro décadas más tarde, el círculo se ha cerrado.

Fuente: ElPaís

Entrevista en la URL del artículo: http://www.elpais.com/articulo/portada/anos/dando/mal/rollo/elpepisupep3/20110527elptenpor_2/Tes

"Un documental reconstruye la vida de Ayrton Senna"

El cineasta británico Assif Kapadia disecciona la "complejidad" del tricampeón del Mundo de Fórmula 1, el piloto brasileño. Ayrton Senna, en un documental que se estrena hoy en los cines españoles.

Senna, que ganó el premio del público en la pasada edición del Festival de Sun-dance, se vio por primera vez en Europa en la Mostra de Valencia, donde Kapadia aseguró que Senna era una persona "tan apasionada y excitante" que le "inspiró mucho".

Senna se centra en la figura del piloto que ganó los campeonatos del Mundo de 1988, 1990 y 1991 y que fue subcampeón en 1989 y 1993. Ayrton Senna falleció en el circuito de Imola (Italia) en 1994. Kapadia aseguró en Valencia que la idea era hacer un documental que pudiera ver todo el mundo y que no sólo gustara a los aficionados a la Fórmula 1.

Fuente: Público y Youtube

Video en URL del artículo: http://www.publico.es/culturas/378680/un-documental-reconstruye-la-vida-de-ayrton-senna

"Drama cotidiano"

BELÉN TOLEDO

"PEQUEÑAS MENTIRAS..."

DIRECTOR: Guillaume Canet

GÉNERO: Drama

NACIONALIDAD: francia

REPARTO: François Cluzet, Marion Cotillard

DURACIÓN: 145 minutos

EN SÍNTESIS

Como todos los veranos, un grupo de amigos pasa las vacaciones juntos. Pero esta vez es diferente. Uno de ellos ha sufrido un accidente y está gravemente herido.

COMENTARIO

‘Pequeñas mentiras sin importancia' comienza con riesgo de bostezo, por lo convencional del planteamiento. Luego se estanca en contar las relaciones entre sus maduros protagonistas. Situaciones y diálogos que, de tan cercanos, pueden aburrir. Por ello, es todavía más sorprendente la habilidad con la que el director consigue finalmente profundizar en los roles: tras la aparente normalidad, se desvela la hondura de sus crisis y contradicciones.

Fuente: Público y Youtube

URL del artículo: http://www.publico.es/culturas/378678/drama-cotidiano

"El negocio del mito"

"NOWHERE BOY"

DIRECTOR: Sam Taylor-Wood

GÉNERO: Biopic

NACIONALIDAD: Reíno Unido

REPARTO: Aaron Johnson, Kristin Scott Thomas

DURACIÓN: 98 minutos

EN SÍNTESIS

Joven inglés de familia desestructurada busca convertirse en estrella del rock. Me llamo John Lennon.

COMENTARIO

Los tentáculos de la memorabilia son alargados. Cuando los Beatles parecen haber dado de sí todo lo posible en lo que respecta al negocio musical, llega el momento de la parte cinematográfica: ‘Nowhere Boy', la idealización de la juventud de John Lennon quien, como un mesías musical, nació (según la película de la prestigiosa artista Sam Taylor-Wood) para la gloria, la luz y la posterior crucifixión que le llevaría a los altares. En el fondo, no hay mucha diferencia entre el fenómeno fan y los integrismos religiosos, apenas una cuestión de cronología.

Fuente: Público y Youtube

URL del artículo: http://www.publico.es/culturas/378677/el-negocio-del-mito

"Una terapia sospechosa"

EULÁLIA IGLESIAS

"EL CASTOR"

DIRECTORA: Jodie foster

GÉNERO: Drama

NACIONALIDAD: EEUU

REPARTO: Mel Gibson, Jodie Foster

DURACIÓN: 91 minutos 

EN SÍNTESIS

Walter Black ha llegado a un punto sin retorno. Ni se entiende con su modélica familia ni consigue sacar adelante la empresa de juguetes que heredó de su padre. Así que decide acabar con su vida. Justo entonces tropieza con un títere de castor tirado en la basura. Con una mano siempre enfundada en el roedor de peluche, vuelve a recobrar el gusto por la vida. El animal es su alter ego triunfador.

COMENTARIO

Sobre el papel sonaba a bizarrada con posibilidades. Mel Gibson, estrella decadente de Hollywood donde las haya, autoparodiándose en un filme sobre un hombre que ha tocado fondo en su vida y consigue salir del pozo gracias a un muñeco. El protagonista de ‘Mad Max' venía de correr una maratón para acabar con su propia carrera. Hasta hace poco, Hollywood había pasado por alto las salidas de tono ultraconservadoras de Gibson. Pero en los últimos años, el director de ‘La pasión de Cristo' ha acumulado suficientes escándalos para llenar él solo un tercer volumen de ‘Hollywood Babilonia'. En 2006 se filtraron unos exabruptos antisemitas que profirió tras ser arrestado por conducir borracho. Se le sumaron unos insultos racistas y, sobre todo, las continuas agresiones a su, ahora, ex segunda esposa, lo que provocó que incluso su agente renunciara a representarle. Gibson se había cavado su propia tumba en la industria. Nadie se atrevía a darle trabajo. Hasta que aparece jodie foster dispuesta a darle una nueva oportunidad redentora.Una de las primeras secuencias del filme, cuando Gibson perpetra un tragicómico intento de suicidio, podría haber marcado el tono justo para el tercer largo de esta actriz metida a directora. La aparición del muñeco permite estirar las posibilidades delirantes del argumento: a partir de entonces, el protagonista sólo habla a través del castor, que no se quita de encima ni para acostarse con su mujer. Pero Foster aparca todo el potencial de humor absurdo, negro, esquizofrénico y esperpéntico que se le presentaba para optar por un melodrama familiar de lo más convencional. Así, en lugar de funcionar como espejo deformante de la cara más patética de Hollywood y, en general, de la cultura del triunfo norteamericana, 'El castor' se convierte en una terapia ñoña y autocomplaciente que además se erige en un enésimo canto a la unidad de la familia tradicional. La próxima vez, que les receten Prozac.

Fuente: Público y Youtube

URL del artículo: http://www.publico.es/culturas/378676/una-terapia-sospechosa

NOTICIAS MARTES 17 DE MAYO DE 2011

"De castores, finlandeses, murcianos y gente extraña"

Luis Martínez | Cannes | (enviado especial)

Preguntas del día: ¿Pero Strauss Kahn no era un músico? ¿Pero Kaurismäki no era el nombre de un mueble de Ikea? ¿Pero Mel Gibson no había dejado de beber? Y claro, surgió el desconcierto. Solución arbitrada por el festival de Cannes: juntar a Mel Gibson y a Kaurismäki en la programación oficial. Así, se conocen. ¿Y qué hacemos con Strauss Kahn? El hombre, definitivamente, ha dejado la música.

Lástima que Mel Gibson no viniera. Los que sí se pasaron por aquí fueron Jodie Foster, directora de la película que protagoniza el actor, y, claro está, Kaurismäki. La mezcla, justo es reconocerlo, resultaba extraña, pero entretenida. La primera presentaba 'El castor', un proyecto raro como pocos, y el segundo 'Le Havre', una película perfectamente extraña. Como siempre. Hemos llegado, se acabó el desconcierto.

La cinta de la antes actriz y por tercera vez directora (notable su debú en 1991 con 'El pequeño Tate') cuenta la historia de un hombre incapaz de hablar de otra manera que no sea a través de un muñeco con cara, cuerpo y voz (¿hablan estos animales?) de, en efecto, un castor, uno de esos roedores semiacuáticos. Suena raro, ya lo hemos dicho, y lo es.

Fuente: ElMundo

URL del artículo: http://www.elmundo.es/elmundo/2011/05/17/cultura/1305631178.html

ENTREVISTA | Pilar López de Ayala

'Es un desafío hacer una película sin diálogo'

Darío Prieto | Vídeo: Ricardo Domínguez | Madrid

Empezó en 'Al salir de clase', serie de la televisión española que actualmente puede meterse en ese saco que alberga las cosas "de culto". Luego Vicente Aranda la convirtió en 'Juana la Loca', papel que le valió un Goya. Trabajó con Montxo Armendáriz y Emilio Martínez-Lázaro y, hasta llamó la atención de José Luis Guerín, quien la introdujo en el cine "de culto" con 'En la ciudad de Sylvia'. Ahora, Pilar López de Ayala sigue por ese camino del riesgo con 'El extraño caso de Angélica'.

Dirigida por Manoel de Oliveira a sus casi 103 años, la película cuenta la historia de un fotógrafo sefardí al que le encargan realizar el retrato de la joven Angélica, recién muerta. A través del objetivo de su cámara, el fotógrafo verá a Angélica viva y sonriente. Y no sólo eso: la joven se le aparecerá en su habitación y ambos iniciarán una relación de amor.

López de Ayala habla de la experiencia con el veterano director portugués y dice que "es toda una oportunidad trabajar con alguien que tiene tantos años de experiencia y que sabe contar las cosas de esa manera tan hermosa". Un camino poco convencional que alterna con producciones más "convencionales", como 'Lope' o 'Intruders', y que proseguirá este año con el estreno de la película que ha rodado con el filipino Raya Martín.

La actriz, que no pronuncia ni una palabra en la media hora que dura 'El extraño caso de Angélica', se muestra satisfecha con la experiencia: "Nunca me habían pedido hacer de espíritu. Pero me ha gustado el desafío. Como actor, cuando no tienes diálogo, tienes que tirar de otros recursos. No podía encarar el personaje de la forma que trabajo habitualmente, porque se trata de algo especial. Tampoco podía entenderlo sólo con la cabeza. Había que hacerlo desde otro lugar".

"Esta es una película de contrastes", profundiza la actriz, "se habla de la tierra y del cielo, de la vida y de la muerte".

Fuente: ElMundo

Puedes ver el video de la entrevista en la URL del artículo: http://www.elmundo.es/elmundo/2011/05/16/cultura/1305582869.html

"Así es el 'Tintín' de Spielberg"

ELMUNDO.es | Madrid

El próximo 23 de diciembre se estrenará en todo el mundo la adaptación cinematográfica de Stevem Spielberg de 'Las aventuras de Tintín'. Este es el primer 'trailer' de la esperada película (en inglés y sin subtítulos), que además cuenta con las voces e interpretaciones animadas de Jamie Bell, Simon Pegg, Daniel Craig, Andy Serkis, Cary Elwes y Toby Jones.

Spielberg trabaja desde hace más de un año con el productor y director Peter Jackson para dar vida en la gran pantalla al intrépido reportero, creado por el famoso dibujante belga Hergé .

Al igual que en 'El Señor de los Anillos', dirigida por Jackson, se ha utilizado la técnica de captura digital de movimientos 3D para dotar de realismo en la animación de los actores.

El filme narra la odisea de Tintín y sus amigos para descubrir el lugar exacto del hundimiento de una vieja embarcación, comandada por un ancestro del Capitán Haddock. En cómic, la saga consta de 24 libros de los que se han vendido más de 200 millones de copias en todo el mundo y han sido traducidos a 70 lenguas.

Fuente: ElMundo y Youtube

URL del artículo: http://www.elmundo.es/elmundo/2011/05/17/cultura/1305624123.html

"El cine no hace más que mirar con lupa esa marejada que es la vida"

ROCÍO AYUSO - Los Ángeles

Hacía mucho tiempo que Mel Gibson no tenía este aspecto tan impecable. Moreno, con su camisa azul bien planchada, el actor de 55 años contiene su gesticulación de loco al máximo. No es alguien sereno pero su lenguaje no verbal está lejos de esas fotos de convicto y alcohólico que circularon en la prensa. Y sus palabras están a años mil de esa rabiosa disputa personal que renovaron las acusaciones de violencia de género y racismo en los últimos meses. Aún así, el público no parece perdonar al que fue uno de los actores y directores más populares de Hollywood. Hay un nuevo estreno que promocionar, El castor, que hoy se proyecta en Cannes fuera de concurso, y su profesionalidad y la lealtad que profesa a su mejor amiga, la actriz y directora Jodie Foster, le hace aceptar una entrevista que, está claro, preferiría evitar.

Fuente: ElPaís
La entrevista en la URL del artículo: http://www.elpais.com/articulo/cultura/cine/hace/mirar/lupa/marejada/vida/elpepicul/20110517elpepicul_3/Tes

"Depp: "Jack Sparrow es una estrella del rock del siglo XVIII""

El protagonista de 'Piratas del Caribe' presenta junto a Penélope Cruz en Cannes la cuarta entrega de la serie de aventuras marinas

GREGORIO BELINCHÓN | Cannes

En el engranaje de Piratas del Caribe. En mareas misteriosas (dejémoslo en Piratas del Caribe 4), hay piezas que no acaban de encajar. Y no va a ser la culpa del batallón español, que sobresalen con soltura en las nuevas aventuras del capitán Jack Sparrow, las primeras en tres dimensiones. El primer personaje que habla lo encarna Juan Carlos Vellido, a Óscar Jaenada no le han dejado mucho lucimiento, y Astrid Bergès-Frisbey y Penélope Cruz se quedan con la chicha. La primera, la joven actriz barcelonesa, sorprende como sirena; la segunda, peso pesado ya en la industria, comparte amoríos, duelos a espada y aventuras con Johnny Depp. El cambio de director en la saga -adiós, Gore Verbinski; hola, Rob Marshall- ha sacado de la serie a Orlando Bloom y a Keira Knightley, e incluido a Cruz. La rueda de prensa ha sido lenta, sin mucha gracia, a ritmo Johnny Depp. Y tampoco ha sido especialmente jugosa.

Fuente: ElPaís

URL del artículo: http://www.elpais.com/articulo/cultura/Depp/Jack/Sparrow/estrella/rock/siglo/XVIII/elpepuculcin/20110514elpepucul_1/Tes

"Kaurismäki fascina a Cannes con ‘Le Havre’"

El director finés presentó un cuento sobre la solidaridad y la inmigración que provocó ovación

SARA BRITO ENVIADA ESPECIAL A CANNES

Llegó Aki Kaurismäki y levantó los aplausos más sonoros escuchados en la sala Lumiere del Palais des Festivals de Cannes. El director finés, maestro de la ironía y de los personajes desfavorecidos pero tocados por la gracia de la amistad, ha presentado una joya pequeña y sublime: Le Havre, la historia de Marcel Marx (André Wilms), un limpiabotas humilde que acaba ayudando a un inmigrante africano a cruzar el canal de la Mancha hasta Inglaterra. Romanticismo decadente 'made in Kaurismäki', una vez más.
Plagado de humor absurdo y candoroso, y menos hiriente en su ironía de lo habitual, el director de El hombre sin pasado hace el milagro al entregar un delicioso cuento anti realista, donde los vecinos de un barrio montan un frente para proteger a un chaval africano llegado en un container al puerto de la decadente ciudad portuaria de Le Havre, en Normandía. Todo pasado por la estética nostálgica del autor, que se queda esta vez en una bella y personal recreación de los años cincuenta: "No sé como será la decadencia de 2011 vista en unos años, pero no me interesa lo más mínimo. Yo como mucho me quedo en los setenta", dijo el director.

Fuente: Público
URL del artículo: http://www.publico.es/culturas/376790/kaurism-ki-fascina-a-cannes-con-le-havre

"Foster presenta su declaración de amistad a Mel Gibson en Cannes"

En el peor momento de la carrera de Mel Gibson, su amiga Jodie Foster le dirige en "El castor", cinta que ha presentado hoy fuera de concurso en Cannes y en la que el australiano hace un striptease emocional con un personaje deprimido que encuentra la salvación en una marioneta.

Cannes (Francia) - Efe

"El castor es un animal que construye cosas y luego las destruye", ha explicado una Foster ingeniosa y políglota en rueda de prensa, y el paralelismo era fácilmente extrapolable a Mel Gibson, quien tras forjar un duradero estrellato en Hollywood parece empeñado en echar por tierra con su vida personal el prestigio cosechado.
      
"Para este personaje no pensé en nadie más. Mel es alguien que entiende el humor, la luz y el encanto del personaje, pero también conoce profundamente su lucha por salir adelante, la idea de no gustarse a sí mismo e intentar cambiar", ha asegurado.
      
Foster se reserva en esta cinta el papel de esposa del protagonista y ha contado también con los talentos juveniles de Jennifer Lawrence y Cherry Jones.
      
Ese cambio será, cuanto menos, curioso, ya que este empresario de éxito que lleva sumido en una depresión endógena dos años, comienza a recuperar el entusiasmo por la vida al comunicarse única y exclusivamente -incluso durante sus relaciones sexuales- a través de una marioneta con forma de castor.
      
Y con esta premisa a priori poco dada al espíritu sesudo de Cannes, la película ha disfrutado de una calurosa acogida por su espectacular giro hacia la emoción auténtica tanto en la historia principal -la de Gibson- como en la subtrama adolescente en la que Foster maneja con sabiduría y sensibilidad el sentimiento de incomprensión.
      
Foster se ha mostrado radiante y reconfortada en el festival francés tras el fracaso estrepitoso que ha tenido en Estados Unidos, donde ha recaudado apenas 300.000 dólares desde el día de su estreno el pasado 6 de mayo.

Fuente: LaRazón

URL del artículo: http://www.larazon.es/noticia/5358-jodie-foster-presenta-su-declaracion-de-amistad-a-mel-gibson-en-cannes

"Terrence Malick, esa sublime ridiculez"

La nueva cinta del reverenciado director y la más esperada de este año divide al Festival de Cannes

Cannes (Francia) - Sergi Sánchez - Cannes

Hubo gritos e insultos en la cola de la Prensa para ver la película más esperada de la 64º edición de Cannes. La (deficiente) organización reaccionó montando otro pase donde hubo más gritos e insultos. La justificada ira de los periodistas contrastaba con la mística «The Tree of Life», poema que bascula entre lo sublime y lo ridículo, y cuyo montaje final llevan cortejando los festivales de todo el mundo hace dos años. Malick, el Salinger de los cineastas, no se desplazó a Cannes, lo que, parece, enfadó a las altas esferas del certamen. Una de las productoras, Sarah Green, se apresuró a defenderle poniendo su timidez como excusa, pero Brad Pitt fue más contundente: «Terrence ha construido una casa y no tiene por qué venderla».

Fuente: LaRazón

URL del artículo: http://www.larazon.es/noticia/5716-terrence-malick-planta-en-cannes-the-tree-of-life